Eu gosto pacas do Kings of Leon, desde o primeiro CD. Os caras são fodas e, por isso, eu acho que eles merecem entrar nessa minha seção de "Novos gênios", que eu não repito desde meu segundo post. O último álbum, Because of The Times, é especialmente bom, mesmo sendo o trabalho em que eles tenham perdido aquela pegada mais country. Na minha opinião, saiu o country e entrou a maturidade. E parece que é essa mesma pegada que vem no disco novo, Only by The Night, que sai ainda neste mês de setembro e já tem single no MySpace. O título da música é "Sex On Fire". Vai lá!
Update O site do NME noticiou que o single do qual eu falei acima está em primeiro nas paradas inglesas, superando o tema infinitamente pior "I Kissed a Girl" da Perry, que está no topo desde o começo do mês passado.
O novo do Metallica, Death Magnetic, vazou. A gente costuma não noticiar isso aqui, mas já que é o Metallica, que, além de ser excelente banda, gosta de foder com os downloads na internet, abrimos exceção.
Estou ouvindo a segunda música aqui e a turma de James Hetfield está indo muito bem. O single "The Day That Never Comes" tem um começo muito chato mesmo, mas, na boa, as duas primeiras músicas desse disco já valem mais do que toda a carreira da banda pós Black Album. Aparentemente a fonte do vazamento foi a França. Corram e baixem antes que Lars Ulrich perceba!
UPDATE
Fiz um arquivo rar com todas as músicas em mp3 para serem baixadas de uma vez: ei-lo.
Agora sim. Quando o disco for lançado oficialmente posto a ficha técnica e a resenha. Mas já adianto que é coisa finíssima e que estou bastante impressionado.
O vocal de Matt Berninger é melancólico e sua banda The National é um bom reflexo das influências de Nick Cave e The Smiths. Tudo isso daria muito errado se não fosse tratado com suavidade e com melodias que tocam alguma coisa lá no fundo, algo que andei comentando com o colunista e futeboleiro Juliano e que acho difícil de explicar.
A banda do meio-oeste dos Estados Unidos caminha em direção contrária àqueles que surgem meteoricamente e sempre carregadas de superlativos e classificações constrangedoras. Sua música é simples, direta e cortante. A bateria, um dos pontos mais fortes, lembra bastante ao estilo de Larry Mullen, do U2.
Tudo bem. Não é a promessa do rock dos anos 00. Aliás, qual é? Mas as canções de The National servem muito ao seu propósito. Ouça o lançamento mais recente, Boxer, de 2007. Gosto muito de "Mistaken for Strangers" e "Slow Show".
Deixo aqui "Fake Empire", um belo manifesto contra a hipocrisia do falecido império norte-americano. É a onda Obama influenciando a música!
Pode parecer injusto falar do novo do Metallica tendo escutado só uma música, o single, "The day that never comes". Mas confiem em mim: pela amostra, o álbum Death Magnetic vai ser uma bosta. Talvez não seja tão ruim como o último, St. Anger (2003), mas isso não quer dizer nada. O tema que disponibilizo abaixo lembra mais um metal afetado desses que o Angra fazia aos montes aqui no Brasil. A diferença é que os tiozinhos do trash foram produzidos por Rick Rubin.
Então tenham certeza, não vai ser dessa vez que os fãs mais xiitas verão alguma coisa parecida com o último trabalho que agradou os metaleiros, o premiado Master of Puppets (1986). Já eu provavelmente não vou escutar nada igual ao disco preto (1991), uma porrada no ouvido e meu favorito dos caras. Uma pena!
Tive um acesso de boa vontade e resolvi ouvir o novo disco do CSS, a bandinha brasileira mais famosinha no exterior (desculpem-me pelos diminutivos, mas eu não consigo evitá-los). Quem já lê o ferrugem há algum tempo já deve ter sacado, pelo teor das postagens, que o nosso negócio não é postar o que está estourando no blog do Lucio Ribeiro (nada contra, eu mesmo visito o blog com certa assiduidade e separo o joio do trigo) e sim o que a gente acha que é bom, com muito (e merecido) espaço às velharias, mas resolvi abrir uma exceção.
Donkey, o tal disco do CSS, é, pelo que todos os críticos estão falando, polêmico porque é mais sério e traz mais guitarras (vejam só o sinal dos tempos, guitarra, hoje, é sinal de seriedade). Francamente, não consigo entender o que uma série de músicas enfadonhas, repetitivas e absolutamente insossas até para dançar – já que, aparentemente, este é um dos apelos da banda – podem ter de polêmicas. A verdade é que o CSS deve ter percebido que seria impossível fazer um álbum como o primeiro de sua carreira, que tem seu trunfo na novidade exótica, para a gringaiada dizer: “olha, tem uma japonesinha bochechuda dando pulinhos, e ela vem de um país tropical, do terceiro mundo, que, até onde eu sabia, só toca samba e bossa nova”. O CSS não podia repetir a piada. De fato, não repetiu, mas contou uma muito sem graça. No fim das contas, o CSS esbarrou na própria inaptidão e, na tentativa de fazer um disco sério, fez um disco chato.
Donkey é um album repleto de lugares comuns do indie rock, como músicas começadas com riffs de baixo, tecladinhos, guitarras limpas tocando fraseados pegajosos e refrõezinhos com uma batida disco. Soma-se a essa falta de inovação o vocal de Lovefoxxx, que, de tão limitado, permite que ela cante, no máximo, umas três notas por música. Duas músicas destoam um pouco desse estilo, e por isso mesmo, são menos piores: "I Fly" e "Move". A primeira traz uma guitarrada honesta (mas que eu duvido que a moça do CSS consiga tocar) e a segunda é a melhor música do disco, porque traz um vocal um pouquinho mais melódico (mas fica claro, mesmo na gravação, que a Lovefoxx vai desafinar ao vivo ao cantar essa música) e porque me lembra muito uma música de que gosto do Men At Work (para um disco tão ruim, isso é um baita elogio).
Minha conclusão é: se você quer ouvir um bom indie rock dançante, vale muito mais a pena esperar o novo disco do Franz Ferdinand.
A única coisa boa de Donkey é a iniciativa da Trama, que distribui o disco aqui no Brasil, em disponibilizar o download gratuito no seu site oficial. Ou seja, quem quiser discordar de mim, pode entrar lá e baixar, mas eu, sinceramente, acho que o tempo de vocês pode ser gasto com piadas mais engraçadas.
* Já que sou sempre lembrado nos comentários deste blog por minha aparência não tão óbvia com integrantes de diferentes bandas, decidi dar meu primeiro pitaco por aqui. Caso gostem, visitem o bigorna ou o e digo mais, são legais também!
E eu estarei lá. Gosto da banda mais ou menos desde 2003, quando eles lançaram o CD Absolution (até hoje meu preferido). Eles são um trio inglês de rock meio alternativo, meio eletrônico, indie ou qualquer outra definição do tipo. Já tinha assistido a uns vídeos dos caras tocando ao vivo, no YouTube. Achei bem legal. Mas depois que vi e ouvi o CD/DVD H.A.A.R.P. achei melhor ainda. É uma puuuta produção com direito a chuva de papel, luzes, um telão enorme ao fundo do palco e balões sobrevoando a platéia. Tem gente que acha tosco, que o show tem que ser a banda e não um monte de efeito que eles usam para impressionar. Eu gosto. E acho que chuva de papel sempre funciona. Quer emocionar? Joga uns pedaços de papel do alto do palco e divirta-se.
Aqui no Brasil, obviamente, não vai ser tão puuuta produção assim. O HSBC Brasil nem comporta um show desse naipe (que foi gravado no Estádio de Wembley com ingressos esgotados). Mas, além desses efeitinhos de espetáculo, tem o som dos caras. Ao vivo é bom e empolga bastante. As músicas ajudam, já que quase todas têm aquele clima de estádio, de gritos de guerra, com refrões bem marcados e fortes. O Matthew Bellamy (vocalista) usa e abusa de um recurso que é marcadamente uma característica dele, e que o pessoal às vezes torce o nariz. Ele suga o ar antes de cada verso das músicas e dá uma impressão de que está precisando descansar e respirar um pouco. Mas na verdade é um charme pras músicas ganharem aquele quê de "será que o mundo vai acabar? olha que desespero!". E ele tem esse cabelo de emo, mas não é emo não (apesar de ter aberto os shows do My Chemical Romance nos EUA).
Para quem conhece, imagine Hysteria ao vivo, Knights of Cydonia, Supermassive Black Hole, Bliss. Do caralho! Eu tô empolgado e espero que o show seja excelente. Mas prometo voltar por aqui para dar meu parecer sobre a performance. Talvez eu deixe de lado esse relato parcial e diga se foi mesmo tão bom quanto imaginava ou se decepcionou. Talvez não. Na verdade, acho que vou gostar de qualquer jeito. Mas meu amigo Daniel Marques estará lá comigo e poderá falar com mais sinceridade sobre o que foi apresentado. Se a gente discordar bastante, dá até pra montar um ringue e dar porrada. Veremos!
1. Intro/Dance of the Knights [From Romeo and Juliet] (1:45) 2. Knights Of Cydonia (6:37) 3. Hysteria (4:19) 4. Supermassive Black Hole (4:00) 5. Map Of The Problematique (5:22) 6. Butterflies And Hurricanes (5:56) 7. Invincible (6:15) 8. Starlight (4:14) 9. Time Is Running Out (4:23) 10. New Born/Microphone Fiend (8:16) 11. Unintended (4:35) 12. Microcuts (3:47) 13. Stockholm Syndrome (7:37) 14. Take A Bow (4:44)
Nos anos 90, apenas uma banda chegou perto de roubar do Oasis o trono de rei do britpop, e ela se chamava Blur. Só não conseguiu porque o rock universitário irônico e inteligente da banda era complicado demais e o povão se derretia mesmo era pelos refrões hipnóticos de Noel Gallagher. Aos nerds de "Parklife", "Boys and Girls" e "Song2" restou o legado de bandas que receberam o rótulo de art-rock e capas com imagens estranhas e belas. O final da história todo mundo sabe, mas nem sempre é triste quando uma de suas bandas favoritas acaba - de vez em quando essa separação faz com que dois bons artistas solo apareçam. No caso do Blur foi bem isso e, depois que Damon Albarn e Graham Coxon deixaram de dividir discos e palco, ficou bem claro o que cada um fazia dentro da banda... ou deixou de fazer.
Albarn já estava com dois pés no experimentalismo pop. O primeiro álbum da banda de desenho animado Gorillaz consegue ser ousado e irrestível em sua mescla de trip-hop e qualquer outra coisa que não fosse o Blur. Entretanto, o último disco de sua sobrevivente banda, Think Tank é chato e pretensioso - gravar no Marrocos não ajudou em nada e, sim! como fez falta a guitarra criativa, às vezes caótica e ruidosa, às vezes bela e com timbre puro de Fender Telecaster de Graham Coxon, aquele cara com vozinha tímida que canta no clipe da caixinha de leite - esse você viu né?
Na mesma medida que Think Tank é chato, o disco Happiness in Magazines de Coxon é excelente, e com ele você consegue entender qual papel o guitarrista desempenhava na banda. Era ele que pegava as viagens experimentais e às vezes estranhas demais de Albarn e dava a elas a roupagem de rock com guitarra distorcida que o Blur pedia. Já indiquei aqui a faixa "Bittersweet Bundle of Misery", mas o disco todo é bom. Está aí.
P.S.: felizmente, Damon Albarn voltou a acertar com The Good, the Bad and the Queen, mas aí é outro assunto.
P.S.: É realmente um disco solo este do Graham Coxon. Ele tocou tudo, exceto arranjos de corda/sopro e algum orgão e piano.
Aqui vai o clipe de "Bittersweet Bundle of Misery", que é muito legal, apesar de que contrariando o que eu disse, ele usa umaFender Jaguar. Atenção para o principal ator, o cachorrinho salsicha!
Vou tentar lançar uma nova onda aqui no renovado Ferrugem. A idéia é toda sexta-feira colocar algum álbum quentinho do forno e cheirando a sucesso para download. Não tenho a mínima pretensão de postar a melhor coisa do mundo ao estilo Lúcio Ribeiro de ser (arrghh!!).
Abro a cartola com uma banda de Seattle chamada Fleet Foxes. Não, eles não tentam carregar o legado do Pearl Jam. Pelo My Space a turma define seu estilo como um folk carregado no barroco de Bach. Tudo bem, parece chato, mas não é!
As comparações e os adjetivos foram tirados de uma ótima resenha publicada hoje no New York Times A tradução é livre:
- Fleet Foxes combina o velho e melódico country-rock de Crosby Stills Nash & Young com o estilo despojado de My Mourning Jacket e Band of Horses.
- A banda de Seattle toca algo que Graham Parsons (ex-The Byrds) chamou de música cósmica americana.
- As harmonias vocais do grupo soam como uma mistura de Brian Wilson e Wayne Coney, do Flaming Lips. (Desculpa, mas essa eu não concordo!)
Opinião própria: os caras construíram um som suave e gostoso de se ouvir ao pôr-do-sol com uma garrafa de tereré a tira-colo. As músicas “Sun Giant” e “Mikonos” são atmosféricas (!?).
Brian Setzeré um exemplo de técnica aliada ao bom gosto. Sim, ele toca muito, é um monstrinho que consegue desferir notas rapidamente. Ele poderia usar esse super poder a serviço do mal e gravar um disco de metal? Talvez, mas graças aos bons céus, ele é uma espécie de louco varrido que resolveu montar uma banda de rockabilly nos anos 80, contanto somente com sua guitarra, uma bateria mínima e um baixão de pau. E os Stray Cats deram muito certo, em uma época em que sintetizadores e sonoridades "modernas" estavam detonando.
Além disso, o cara não só é endorser da Gretsch (ou seja, garoto-propaganda de uma das marcas mais lindas e tradicionais de guitarra do mundo - de bateria também) como tem de fato um modelo com seu nome, a Nashville Brian Setzer Signature. Repare: no lugar de potenciômetros normais, dados de seis lados, além de sua assinatura. Uma guitarrinha dessas em lojas brasileiras sai por uns R$20.000, ou seja, "praticamente não compensa". Artigo de luxo mesmo - e ela é de fato uma jóia.
O disco de hoje é o excelente 13, de 2006, que traz uma pegada mais roqueira do que os trabalhos que Setzer gravou com a Brian Setzer Orchestra. O som é sensacional e o timbre do guitarrista, bem característico. Vale a pena conhecer o álbum, com especial atenção à faixa "Really Rockabilly", em que ele tira uma onda da galera que fica rotulando gêneros e subgêneros.
Para finalizar, este vídeo (infelizmente em qualidade sofrível) em que Setzer começa a chamar grandes guitarristas no palco, ainda na época do Stray Cats. No final da história, além de David Gilmour, Van Halen (farofeiro!) e BB King, até a lenda viva Les Paul sobe para a canja. É até assustador, todos eles tocando o clássico de Carl Perkins "Blue Suede Shoes"
Ano passado o Wilco lançou o disco Sky Blue Sky, que figurou em quase todas as listas de melhores do ano. Na minha lista, particularmente, o disco divide o primeiro lugar com o Era Vulgaris do Queens Of The Stone Age (disco que merece tópico, aliás). Verdade que trata-se de um disco fácil de achar por aí para o download, mas ontem eu estava matando a saudade, depois de uns quatro meses sem ouví-lo, e me senti um pouco obrigado a postá-lo aqui, para que, assim, eu possa conversar sobre essa obra prima com todos que eu conheço.
Verdade que eu sou um pouco exagerado, sempre falo que tal coisa é “a melhor que há”, sou um pouco vítima da minha empolgação. Mas, no caso do Sky Blue Sky, a coisa é séria. As canções são tão belas, tão bem gravadas, os solos de guitarras são tão bem construídos que dá até raiva. Parece que o Wilco ouviu todas as bandas com influências dos anos 70, percebeu todas as falhas e clichês e entregou o disco dizendo a todas: “ó, é assim que se faz”. Mas o que me deixou mais estarrecido é o fato de o disco não ser só um apanhado das principais influências da banda (claramente Neil Young e Bob Dylan), mas também mostrar uma personalidade forte, tanto nos arranjos quanto nas composições.
Quem ouve a talvez melhor música do disco, “Impossible Germany” (não tenho palavras para descrever a beleza dessa faixa), consegue perceber uma ternura que tanto Neil Young quanto Bob Dylan não têm. Obviamente não estou falando que o Wilco é melhor que esses dois cânones, só estou falando que ambos, normalmente, não se mostram tão delicados em suas músicas e letras quanto a banda americana. Repito, não estou dizendo que Dylan e Young não são sutis, ternos e delicado, pelo contrário. Mas o eu-lírico do Wilco, por se expor demais nas letras e nas músicas, acaba trazendo uma carga emotiva muito grande, mais passiva do que nas obras das duas principais referências da banda. Em suma, o Wilco, principalmente em Sky Blue Sky, mostra uma fragilidade sem pieguice (leia-se, uma fragilidade nem um pouco emo) muito patente.
Para exemplificar o que eu digo, cito uma parte da letra da música que dá o título ao disco, que consegue ser ao mesmo tempo acanhada e incisiva, frágil e cruel: “With a sky blue sky / This rotten time / Wouldn’t seem so bad to mee now / Oh, I didn’t die / I should be satisfied / I survived / That’s good enough for now”. Sem discutir se o trecho é autobiográfico ou não, fica claro quão explícitas as letras são, o eu-lírico se desnuda de uma forma absolutamente aberta. É um chute (o bom do Ferrugem é poder chutar à vontade), mas, ao meu ver, esse recurso estético corajoso tem muito a ver com os dias de hoje. As metáforas e os floreios já foram por demais explorados, por isso, é muito bem vinda uma letra que seja fácil de entender. É muito mais bem vinda uma metáfora que embeleze a imagem e não a turve. Nesse sentido, acho que o Wilco entendeu bastante a obra de John Lennon, no melhor estilo “I’m Lonely / Wanna die”.
Outro trecho, que discute o fazer artístico de forma muito bonita e (de novo) explícita aprece na música “What Light”: “If you feel like singing a song / And you want other people to sing along / Just sing what you feel / Don’t let anyone say it’s wrong”.
O instrumental do disco também carrega a mesma aparente fragilidade, com instrumentos limpos e bem tocados e sem muitas grandiloqüências. Mas, como acontece nas letras, cada nota emitida por cada instrumento é tão estudada, tocada com tanta perfeição e feeling (o tal feeling é um outro bom tema para um post no Ferrugem), que, em quase todas as músicas, eu consegui (falo em primeira pessoa porque isso já é muito pessoal) me emocionar. Os solos de guitarra são um capítulo à parte. O guitarrista solo, Nels Cline, mostra nesse disco que é um dos melhores guitarristas dos nossos tempos. Suas frases são dificílimas, com momentos de virtuose que lembram até o meu querido metal (parece até que o fim do solo de “Side With Seeds” foi feito para nenhum fã de Satriani encher o saco), mas nunca esquecendo os ensinamentos do papai Young: sentimento acima de tudo. O disco é ainda mais impressionante por ter sido gravado inteiramente ao vivo, o que mostra trata-se de uma banda afiadíssima e com certeza é excelente ao vivo.
Enfim, como sempre faço, me empolguei e acabei escrevendo demais. No fim das contas, o Wilco é talvez a banda que melhor carregou o legado de Bob Dylan, Neil Young e Beatles, por isso é tão foda.
Outro fato importante de ser lembrado é que o Wilco é uma banda com muitos anos de carreira e outros discos excepcionais, como o Yankee Hotel Foxtrot, que traz mais clara a influência dos Beatles na banda.
A faixa “Impossible Germany” pode ser ouvida na muxtape do João Victor, amigo do pessoal do Ferrugem e guitarrista do Bazar Pamplona.
Sky Blue Sky - Wilco lançamento oringinal: 15 de maio de 2007
1-"Either Way" – 3:05 2-"You Are My Face" (Tweedy, Cline) – 4:38 3-"Impossible Germany" (Tweedy, Wilco) – 5:57 4-"Sky Blue Sky" – 3:23 5-"Side with the Seeds" (Tweedy, Jorgensen) – 4:15 6-"Shake It Off" – 5:40 7-"Please Be Patient with Me" – 3:17 8-"Hate It Here" (Tweedy, Wilco) – 4:31 9-"Leave Me (Like You Found Me)" – 4:09 10-"Walken" (Tweedy, Wilco) – 4:26 11-"What Light" – 3:35 12-"On and On and On" (Tweedy, Wilco) – 4:00
Não sei quanto a vocês, mas eu me lembro de não ter gostado do filme 9 Canções quando assisti.Mas gostei de algumas canções que não conhecia, e que de cara me pegaram desprevenido. A primeira delas era “Fallen Angel”, do ótimo disco Cast of Thousands. Demorei um pouco pra descobrir qual banda era aquela, mas ouvir o disco depois foi recompensador. O lance é que, ouvindo o disco, pude perceber que o Elbow era uma banda bastante autêntica, e se é difícil dizer que o que eles fazem não é rock, fica mais difícil ainda explicar como é o rock que eles aprontam. Dá pra dizer que, de um jeito esquisito, suas músicas tem uma pegada radiofônica, só que eles apontam sempre para um jeito pouco convencional de produzir as canções.
Um ou outro pode dizer que lembra Coldplay. Eu respondo que em alguns pontos, principalmente de discos antigos, as músicas mais lentas podem pender para uma balada coldplayana - o que não é ruim! Acontece que a banda do Chris Martin resolveu ficar grande demais, e não usam o silêncio tão bem - coisa que o Elbow sabe fazer como pouquíssimas bandas da atualidade.
Acredito que um dos grandes trunfos da banda é a voz rouca e aveludada do vocalista/compositor Guy Garvey. Mas não pára por aí. O que faz desse disco uma coisa tão boa é o clima que as faixas criam, individualmente. “Grounds for Divorce” é uma obra-prima, algo que eu chamaria de protótipo do rock inglês perfeito. É ácida onde precisa ser e doce quando você pede um bom refrão. A ironia de “An Audience with the Pope” é sensacional, e você não precisa da letra pra senti-la. “On a Day Like This” também merece ser comentada, já que é a música perfeita para você sair andando por aí num dia como esse, meio frio, em uma avenida movimentada, tentando ler o rosto das pessoas. O arranjo de cordas no estilo “She's Leaving Home” substitui o que poderia ser um riff de guitarra. E tudo funciona muito bem: preste atenção no refrão, quando Garvey alcança a nota mais alta. É de arrepiar.
The Seldom Seen Kid é um álbum maduro, sombrio e belo, produzido por uma banda que nunca de fato estourou ou virou uma estrela do mainstream, ainda que aqueles que a admiram tenham formado uma espécie de clube secreto. Se o álbum vermelho do Weezer promete ser um dos melhores do ano, então este parece ser um belo concorrente, não menos que à altura.
ps3: se você estiver com preguiça de baixar, ouça pelo menos o single "Grounds for Divorce" clicando ali em cima no link com o nome da música. é o myspace da banda.
ps4:se você ficou curioso pra saber qual foi a outra música que gostei muito, te digo que é uma do Michael Nyman chamada "Debbie". Já ouviu?
Depois de sete anos, os irmãos Chris e Rich Robinson deixaram de lado as birras e voltaram aos estúdios para gravar o mais novo disco do Black Crowes, um misto de Lynyrd Skynyrd com Led Zeppelin. É bastante gente foda como referência, mas o importante é destacar que Warpaint, lançado mundialmente no dia 3 de maio, é autoral: a voz rasgada de Chris e os riffs com peso de uísque de Rich recheiam músicas bastante originais que percorrem temas variados: lamentos amorosos, noites de loucura e, como sempre, a clássica ressaca do dia depois.
Neste álbum, os reformulados Crowes contam com a ótima participação do guitarrista Luther Dickinson, que acrescentou muito à banda com seus slides, e também com a presença surpreendente do tecladista Adam MacDougall, elogiado por todos os antigos membros após as sessões de gravação.
A história dessa banda sempre foi tempestuosa. Talvez por isso se explique a lacuna de sete anos sem divulgar nada novo. Porém, o legado que os irmãos Chris e Rich conseguiram construir entre os tempos de fertilidade e latência é fantástico: em 1990, surpreenderam o mundo com o poderoso Shake Your Moneymaker, um disco repleto de músicas cruas, mas bem trabalhadas. Logo em seguida, cravaram de vez o nome The Black Crowes como um dos melhores grupos de rock sulista (meio estilo Confederado caipira, barba grossa e chapéu) dos Estados Unidos com The Southern Harmony and Musical Companion.
Mesmo que Warpaint beba profundamente nos poços que levaram os Crowes a banda de status, o disco soa antigo e moderno ao mesmo tempo. A poderosa “Goodbye Daughters Of Revolutions” abre o caminho, sempre trilhado no blues, de um dos mais esperados lançamentos de 2008. A melancólica “Oh Josephine” relembra a dor de “She Talks to Angels” e “Whoa Mule”, gravada ao ar livre em uma pequena cidadezinha ao norte de Nova York, encerra o tranco e mostra que, embora essa banda tenha sempre sido massacrada pelas constantes bebedeiras, brigas e desavenças com gravadoras, os irmãos Robinson conseguem se renovar. Mesmo que isso demore quase uma década. Dá uma ouvida nessa:
Tem uma resenha muito boa escrita por Alan Light, da Rolling Stones norte-americana, que vale a pena ler. Eu queria só saber por que no Brasil não se falou dessa estrondosa reaparição dos Corvos?
Ah, já ia esquecendo. Outra coisa bastante legal de conferir é o site oficial dos caras. Lá, eles deixaram disponível todos os vídeos de shows (recentes e antigos) para download. Também tem a possibilidade de baixar dois discos de graça. Como existe um limite, fica a sugestão: os dois primeiros.
Ficha Técnica
Warpaint – The Black Crowes Lançamento original: março, 2008 Gravadora: Silver Arrow (selo da própria banda)
1. Goodbye Daughters Of The Revolution 2. Walk Believer Walk 3. Oh Josephine 4. Evergreen 5. Wee Who See The Deep 6. Locust Street 7. Movin’ On Down The Line 8. Wounded Bird 9. God’s Got It 10. There’s Gold In Them Hills 11. Whoa Mule
O vídeo que lançou a banda como um foguete. Meio brega, mas a música é de outro mundo!
Mais uma prévia daquele que será o melhor álbum do ano e, talvez, dos últimos tempos. Dá uma sacada nessa música!!! Com vocês: "The Greatest Man That Ever Lived", outra do sexto disco do Weezer.
Presença constante no movimento R&B inglês no começo dos anos 60, figura marcante na desilusão hippie no começo de 70 e compositor apaixonado por ritmos de descendência africana, Steve Winwood voltou a cravar seu nome na história da música com o lançamento do seu novo e aguardado disco solo no finalzinho de abril. No entanto, Nine Lives - que conta com a guitarra onipresente de Eric Clapton na faixa “Dirty City” – não é uma obra sólida. Há momentos de pura magia, como a música de abertura, a rouca e empoeirada “I’m Not Drowning”.
Por outro lado, o gosto do ex-vocalista do Traffic por batuques de origem africana irritam um pouco. Sabe quando parece que todas as faixas possuem a mesma sessão rítmica, sem criatividade? Sem falar no exagerado saxofone de “Fly”, a segunda do novo trabalho de Winwood: som de motel é pouco para definir a cafonice. Na contramão, um exemplo no qual a percussão e o saxofone foram utilizados com inteligência é “Hungry Man”, que traz traços do disco mais funkiado do cara: The Low Spark of High Heeled Boys.
Achei as canções um pouco longas demais. Sabe quando o cara tenta criar aquela atmosfera de jam, com bastante variações e solos perfeitamente encaixados na melodia, mas não consegue? A maioria das faixas tem duração de sete minutos e muitas chegam a cansar pela falta de inspiração. Pode ser que eu tenha encucado com alguma coisa e não sei bem dizer o que é, embora o resultado final tenha agradado. Embora eu seja bastante fã do Steve Winwood que fez maravilhas ao lado de Jim Capaldi, Chris Wood e Dave Mason à frente do Traffic, esse trabalho não me entusiasmou tanto. Vale a pena conferir.
Um trecho de uma resenha publicada na Rolling Stones norte-americana no dia do lançamento (29/04/08)
“A voz de Steve Winwood está mais grave, talvez uma suave herança do blues britânico, consistente e bem otimista em todo o álbum Nine Lives. No trabalho inteiro, existe um revival do groove despretensioso e reflexivo do Traffic” – David Fricke
Ficha Técnica
Nine Lives – Steve Winwood Lançamento original: abril, 2008 Duração: 57:17
Por conta de uma idéia inicial e de tudo mais que já foi dito aqui, o Ferrugem é mesmo um blog de rock. já que o gênero se divide em milhares de estilos diferentes. Já tentaram inclusive criar o “math rock” -era óbvio que não ia dar certo (sim, isto é um link)
O post de hoje foi escolhido não porque o disco é um clássico que não poderia faltar, ou porque é um lançamento quente. Na verdade, uma das razões que me motivou a colocá-lo por aqui foi o fato de que em nenhum momento ele foi lançado no Brasil, então eu não poderia nem dizer “puxa vida, olha, comprem mesmo se vocês gostarem". Isso dá uma certa alegria.
Sempre gostei de KT Tunstall, desde a época que a música estourada dela por aqui era “Other Side of the World” e não a deliciosamente chicletuda “Suddenly I See”. Digo isso porque sempre fui um admirador do chamado pop bem-feito, que nada mais é do que isso mesmo: uma música bem composta, bem interpretada (por favor, sem maneirismos!), executada por uma boa banda, que sabe gravar bem seus instrumentos... tudo isso sem a necessidade de parecer tão ambicioso como um deus do metal ou tão ineficaz quanto um grupo de adolescentes-marionetes que fazem playback. Sim, você leu bem agora pouco: ineficaz para a alma.
O lance é que esse disco é um show com músicas bem bacanas, em que muitas nem saíram em um de seus dois discos já lançados até agora e, se não tem a energia de um show tradicional, com as lindas semi-acústicas que ela geralmente usa, o banquinho com violão e instrumentos mais... folk (ando me segurando pra não usar esse termo porque atualmente parece que os jornalistas brasileiros acharam o folk em um baú mágico e descobriram que ele nasceu no Brasil...). Antes que eu me esqueça e você olhe na Wikipedia antes do que aqui, esse disco, Acoustic Extravaganza, de 2006 foi lançado primeiramente na Internet.
A srta. Tunstall manda bem e isso é que vale mais, até porque antes de estourar com o disco Eye to the Telescope, ela já era uma cantora experiente, que havia tocado por anos no rico cenário independente de Glasgow. Ou seja, dá pra acreditar que ela realmente faz o que acredita e que tem vontade.
Ah, e antes que eu me esqueça, acabei de postar o primeiro disco “feminino” aqui no Ferrugem..., setor que tem tudo pra começar a crescer por aqui, já que assunto é o que não falta.
Ficha Técnica
KT Tunstall - Acoustic Extravaganza
Lançado em 15 de maio de 2006
Selo - Relentless, Virgin *não foi lançado no Brasil
Recebi uma dica fantásticado Juliano para procurar um tal de Barry Adamson, ex-baixista do Nick Cave. Eu já estava propenso a fazer um post sobre funk, soul e R&B e fiquei com mais vontade ainda. O cara tem pose, um vozeirão ótimo e um conjunto de apoio que esbanja classe. Com essa descoberta, fiquei pensando que esses três estilos, sempre misturados e que dificilmente caminham sozinho, trilharam um longo caminho até chegar ao que esse negão aí fez.
Por isso, nesse breve post introdutório, queria só sugerir uma novidade: o segundo disco solo de Barry Adamson, Back To The Cat, lançado neste ano. Ainda não tive oportunidade de enferrujar por completo, mas sinceramente já o considero muito bom!
No site oficial do cara dá para ouvir todas as músicas. A que me fez cair da cadeira foi a batida dançante de “Spend a Little Time” e o riff perfeito de “Shadow Of Death Hotel”.
Não tem jeito, esses caras nunca vão decepcionar. Toda vez que ouço alguma coisa deles é inevitável pensar: “Queria que minha banda soasse assim”. Com “Porks & Beans”, o mais novo single, não foi diferente. A música é FANTÁSTICA! Não tem aquela perfeição irritante, comum das gravações recentes. É suja e com timbres de um bom gosto do caralho, além dos back vocals perfeitos e empolgantes. É uma faixa de uma banda de garagem profissional.
A expectativa para novo álbum, chamado simplesmente Weezer (ou The Red Album), só cresceu. Infelizmente teremos que esperar até junho. Não obstante, já reservo aqui no Ferrugem o direito de fazer a resenha.
Coldplay
Eles podem ser um pouco repetitivos, mas são bons. Na verdade, nem achei o novo single, “Violet Hill”, tão "mais do mesmo assim". A guitarra está com uma distorção um pouco mais pesada do que de costume e a bateria, de Will Champion, mais criativa. Resta ver o que mais virá em Viva la vida, novo álbum de Ricky Martin, quer dizer, Coldplay. O lançamento também está previsto para junho.
Ficha técnica
Weezer - Weezer e Viva la vida - Coldplay
Lançamento previsto: jundo de 2008
Produtores: Rick Rubin e Brian Eno
Gravadoras: DCG/Interscope e EMI
Faixas de Weezer
1. Troublemaker
2. The Greatest Man That Ever Lived (Variations on a Shaker Hymn)
3. Pork and Beans
4. Heart Songs
5. Everybody Get Dangerous
6. Dreamin
7. Thought I Knew
8. Cold Dark World
9. Automatic
10. The Angel and the One
Faixas bônus da edição especial:
11. Miss Sweeney
12. Pig
13. The Spider
14. King
Faixas de Viva la Vida or Death and All His Friends
1. Life In Technicolor 2. Cemeteries Of London 3. Lost! 4. 42 5. Lovers In Japan/Reign Of Love 6. Yes 7. Viva La Vida 8. Violet Hill 9. Strawberry Swing 10. Death And All His Friends
Nenhuma banda brasileira fez tanto sucesso internacional quanto o Sepultura. Álbuns como os excelentes Arise, Chaos A.D. e Roots elevaram a fama de Max e Iggor (à época com apenas um “g” no nome) Cavalera, Andreas Kisser e Paulo Jr. a ponto de estarem a pé de igualdade com bandas como Pantera, Slayer, Megadeth entre outros montros sagrados do metal. A decadência da banda - que ainda prometia muito - começou com a inesperada saída do guitarrista e vocalista Max Cavalera, em dezembro de 1996.
Os motivos da briga e como o Sepultura seguiu depois da saída de seu principal compositor não interessam neste post, pois é flagrante que a banda perdeu importância (e, na minha opinião, qualidade) e Max, com sua nova banda, Soulfly (que é mal rotulada como new metal), até alcançou algum sucesso comercial, mas acabou se distanciando do mercado brasileiro e também perdeu qualidade.
Depois disso, nunca mais o Brasil conseguiria lançar uma banda de tanta relevância internacional. E nem vem que não tem, que o sucessinho do CSS e do Bonde do Role é incomparável ao que foi o Sepultura. Muitos alegam (e eu entre eles) que isso aconteceu quando os irmãos Cavalera se separaram. Iggor é um monstro na bateria, que pode ser comparado com os grandes nomes do metal no instrumento, como Dave Lombardo e Vinnie Paul Abbot, mas não segurou a banda sem a pujança e a, com o perdão da expressão, tosquice de seu irmão Max. Já os outros membros, também não tinham o mesmo apelo: Andreas é muito técnico, mas não compunha tão malévolamente bem para o metal, Paulo Jr. só tem tosquice e Derrick Green, que entrou para substituir Max nos berros guturais, simplesmente nunca foi tão bom quanto seu antecessor.
Enfim, por isso que quando eu soube que Max e Iggor voltariam a tocar juntos era sinal de alguma coisa muito interessante acontecendo. Assim que descobri que os irmão voltariam a tocar sob o nome de Cavalera Conspiracy, procurei o myspace desesperadamente. A página existia, mas estava sem músicas. Motivo: eles estavam em estúdio. Poucos meses depois já estavam disponíveis a música que dá o nome ao primeiro disco, “Inflikted”, e o single “Sanctuary”. Pirei.
O som me lembrou o Sepultura, mas com algumas mudanças, é tão pesado quanto, mas mais claro, nítido. Um tapa na orelha sem dó nem piedade. A bateria do Iggor Cavalera soa quase hardcore, mas com a técnica do metal e muita dinâmica, que dá grandes contrastes às músicas. As guitarras soam como toda boa guitarra de metal deve soar: percussivas, com riffs marcantes e dissonantes e, principalmente, com muita distorção. Verdade que os solos de Marc Rizzo, que também é do Soulfly, não são tão legais quanto o do Andréas Kisser, principalmente porque destoam do peso do Cavalera Conspiracy por serem muito, hum, técnicos e utilizarem escalas até um pouco exóticas, orientais. Deveria ser tudo porrada, o Kerry King do Slayer deveria estar destilando um de seus não-solos sem escalas e cheios de notas. Mas nem tudo é perfeito. E como em toda boa banda de trash metal, o baixo de Joe Duplantier é inaudível e as letras são uma merda. Mas isso é muito metal e não incomoda aos mais acostumados ao estilo, que, em vez de repetir "amor" a qualquer verso, repete "morte", "doença", "sangue" e outras palavras menos singelas.
Comprei hoje o disco e viciei. Inflikted não perde o foco nunca, é um soco no estômago do começo ao fim, é o disco perfeito para esse retorno fraternal, nenhum fã de Sepultura dos bons tempos pode colocar defeito.
Abaixo está o assustador clipe do primeiro single, "Sanctuary". Ao meu ver é um dos melhores clipes de 2008, já que uma criatura deformada matando a galera no set de filmagem do próprio clipe tem tudo a ver com o som da banda hehe. Mais abaixo, o indispensável disco para download (olha que esse download vem do disco original com qualidade máxima para um mp3). Ouçam alto!
Ficha técnica
Inflikted - Cavalera Conspiracy Lançamento original: 24 de março de 2008 Duração: 43:31 Produtor: Max Cavalera Gravadora: Roadrunner Records
Seguinte, primeiramente gostaria de me desculpar com meus colegas de Ferrugem Nunca Dorme pelo meu breve sumiço. Não tentarei me justificar, parei de colaborar por pura preguiça. Mas estou de volta, e para postar coisas muito diferentes do que vem sendo postado (tudo excelente, por sinal).
A verdade é que estava faltando um pouco de peso aqui no Ferrugem e não podemos ignorar que, depois do Black Sabbath, o som pesado passou a ser uma característica patente de, senão a maioria, boa parte das bandas de rock. Tomei para mim a responsabilidade de mostrar aos passantes deste querido blog o melhor do som distorcido, sem nenhum tipo de preconceitos e evitando rótulos bestas (doom metal, new metal, trash metal e por aí vai). Porque o que é bom é bom (momento sabedoria vazia).
Vou começar com um disco de 2005 que não é considerado um dos pontos altos do seu autor (ou banda?) e, por isso mesmo, é bastante subestimado. Vamos dar nome aos bois. Você, meu caro amigo, esta prestes a entrar no mundo de With Teeth, do Nine Inch Nails.
O Nine Inch Nails, banda de um homem só (o grande Trent Reznor) é a típica banda que muita gente já ouviu falar, mas pouca gente ouviu propriamente. Eu, por exemplo, conheci o(s) cara(s) ao vivo, no Claro Q É Rock, e saí absolutamente embasbacado com a performance, tanto musical quanto visual. Foi, de longe, o melhor som de show que eu já tinha ouvido. Depois eu soube que o Reznor é super caxias com a qualidade do show dele e leva o próprio equipamento de som e luz em todas as turnês que faz. Estava explicado.
A turnê que vi promovia o With Teeth, talvez o disco mais acessível entre todos do NIN, com músicas bastante melodiosas e intensas e nem sempre com a guitarra super distorcida que caracterizou o seu trabalho mais aclamado, The Donward Spiral, de 1994. Por esse motivo, muitos fãs xiitas (sempre eles) acharam que Reznor tinha acalmado, deixado o peso de lado. Certamente essa foi uma leitura muito superficial do som do disco, já que as letras são absolutamente atormentadas e as músicas mais calmas carregam o mesmo peso de sempre, só que, dessa vez, na atmosfera. Um outro dado do disco que merece ser lembrado é que todas as baterias acústicas foram gravadas pelo grande e onipresente Dave Grohl, que é chapa de Reznor desde os anos 90.
Falando mais propriamente do som, o NIN mistura o rock e metal com batidas eletrônicas (desculpa, Daniel, mas é som de computador mesmo) o que deixa a música com um certo clima apocalíptico. Tipo (momento nerd on), se você já jogou RPG e ouviu falar no universo cyberpunk, o NIN é a trilha perfeita para aquele clima (momento nerd off). Se você nunca jogou RPG, imagine o filme Blade Runner. O NIN é mais ou menos o que tocaria uma casa noturna daquela Los Angeles destruída, servindo de fundo para um strip tease de uma menina de cabelo roxo. O melhor é ouvir, de qualquer maneira.
Para vocês terem noção do que é o NIN ao vivo, deixo abaixo o vídeo da banda tocando uma das melhores músicas do With Teeth, a homônima "With Teeth". Reparem na qualidade do som da bateria, que tem uma linha simples mas muito criativa e marcante. Vejam também como é importante e maravilhosa a iluminação do show, que quase não mostra a cara dos músicos, mas é totalmente sincronizada com a música. Outro destaque dessa música é o momento calmo do piano em contraste com o refrão, barulhento até dizer chega. Mais abaixo ainda deixo o disco para download, que é o que interessa.
PS: se você faz muita questão de rótulos, o NIN é conhecido como Industrial Rock ou Industrial Metal.
PS2: pra ninguém falar que o Ferrugem só vive do passado, aconselho a vocês darem uma assistida no excelente clipe da mais nova música do NIN, "Discipline". A música é bem dançante, mas na minha opinião não está entre as melhores coisas deles. O Trent Reznor está ultimamente postando todas as músicas que compõe nesse endereço aqui e, além disso, quem diria, ele bloga haha.
Achei difícil encontrar um jeito de começar esse post. Confesso que a segunda parte dele saiu bem mais fácil. Cara, como falar sobriamente de um disco que surpreende não pela novidade, mas sim por transformar o velho em novo? Acho que é exatamente isso que Van Morrison conseguiu fazer com seu novo trabalho: Keep It Simple, lançando nos Estados Unidos no dia 1º de abril.
Fiquei com a impressão de ter ouvido a voz da sabedoria. Nada de simples nesse álbum: o velhinho voltou a fazer um disco de blues carregado com influências do R&B e no Soul, solto do ponto de vista técnico, já que mantém seu estilo único de cantar com sofrimento, e incrivelmente animado. “That’s Entrainment”, “Song Of Home” e “Behind The Ritual” são os pontos MAIS altos.
Já que as minhas palavras saíram complicadas, deixo aqui uma tradução livre do que foi escrito sobre o disco no site da Amazon (para a versão original, e bem mais poética, escorregue aqui!)
"Em Keep It Simple, Morrison veste todos os trajes como compositor, músico e letrista e prova ser uma pessoa astuta e bem-sucedida como produtor também, escolhendo ardilosamente manter todos os vocais e instrumentos em sua forma orgânica e original (first takes).”
Um puta elogio!
Ficha Técnica
Keep It Simple – Van Morrison Lançamento original: abril, 2008 Duração: 49:54 Gravadora: Lost Highway
1. How Can A Poor Boy – 5:43 2. School Of Hard Knocks – 3:44 3. That’s Entrainment – 4:32 4. Don’t Go To Nightclubs Anymore – 4:31 5. Lover Come Back – 5:15 6. Keep It Simple – 3:34 7. End Of The Land – 3:16 8. Song Of Home – 4:12 9. No Thing – 4:31 10. Soul – 3:36 11. Behind The Ritual – 6:59
Sempre à sombra
Esse lançamento fez com que minhas atenções também se voltassem ao passado de Van Morrison. Suas produções recentes, ainda que frutíferas, sempre serão sujeitas a comparações com um dos maiores discos da história da música britânica. Em setembro deste ano, Astral Weeks completará 40 anos de vida. O incrível é que sua atualidade ganha forças cada vez que você o coloca para tocar.
Esse disco foi criado por um processo de fluxo de consciência bastante melancólico: músicas sobre a infância, sobre amores perdidos e amores encontrados, figuras nas paredes que fazem rememorar sensações de mediocridade. Tudo isso está lá, velado sobre a forte voz de Van Morrison, às vezes exagerada na medida certa (sei lá se isso é possível). Ali no ponto, todos os instrumentos trabalham somente para a voz do cantor: ajudam-no cantar a dor, ajudam-no a sentir tudo que está na pele. Por isso, as letras são desconexas, trabalham pelo ritmo. Gosto muito desse trabalho. O baixo de madeira dá uma sensação clássica, ao contrário dos teclados e sopros que conduzem a um caminho moderno. O simples trabalho de violão é essencial e marca as raízes irlandesas do compositor.
É sempre importante lembrar que Astral Weeks foi produzido em um momento péssimo da carreira do criador da estonteante “Gloria”. Van Morrison revelou, anos depois, que passava fome (literalmente) à época das gravações. Além disso, não tinha em sua companhia membros de suas antigas bandas e, sendo assim, as sessões dentro dos estúdios eram realmente para expelir sentimentos. Está aí: visceral, essa é a palavra (já desgastada).
Muitos mitos foram criados em torno deste disco. Principalmente após o cri-crítico Lester Banks afirmar que ele transformou sua vida. O escritor afirma que nunca havia ouvido nada parecido com isso e, depois de tomar diversas pílulas de sei-lá-o-que, sentiu realmente o que era a dor de viver. Na minha opinião tudo bizarro ao estilo de Banks, mas o cara estava certo: não há nada igual a Astral Weeks. Além disso, o próprio nome do trabalho também ganhou conotações místicas, assim como a música “Madame George” - cujo título original “Madame Joy” foi descartado na hora do lançamento - foi tido com um hino a um travesti inglês. Tudo besteira!
Acho a faixa “Ballerina” a mais linda do álbum. “Cyprus Avenue” é a mais inquietante, com suas aliterações excelentes! “They Way Young Lovers Do” é a mais divertida. E a que leva o nome do disco é a mais... foda?
Ficha Técnica
Astral Weeks – Van Morrison Lançamento original: setembro, 1968 Duração: 46:05 Gravadora: Warner
1. Astral Weeks – 7:00 2. Beside You – 5:10 3. Sweet Thing – 4:10 4. Cyprus Avenue – 6:50 5. The Way Young Lovers Do – 3:10 6. Madame George – 9:25 7. Ballerina – 7:00 8. Slim Slow Slider – 3:20
Não tem nada a ver com o post, mas deixo aqui uma versão de “Gloria” com o John Lee Hooker. Acho que depois dessa, no mínimo um dos discos alguém vai querer baixar!
Nasci em São Bernardo do Campo, cresci em Santo André e mudei para Campinas com 15 anos. Agora moro em São Paulo e faço jornalismo. Toco bateria. Gosto de coisas antigas (vitrolas, móveis Eames e fotografia analógica). Amo minha família, minha namorada e meus amigos de todas as épocas, inclusive os perdidos.
André Spera
Sou um pouco míope e sofro de rinite alérgica pela manhã. Na minha opinião Sgt. Pepper's... é mesmo o melhor, mas isso não quer dizer que os outros não possam tentar.No momento estou em fuga do jornalismo, mas por enquanto ele ainda pega no pé. Meu maior sonho é ganhar um milhão de dólares. Mentira. Não é não. Qual o seu?
P.S.:este perfil poderá sofrer mudanças sem aviso prévio. Talvez eu troque de nome.
Sou brasileiro, mas não nasci ouvindo samba ou mpb. Eu ouvia, quando moleque, o Athom Heart Mother que meu pai tocava na vitrola. Só sinto nostalgia mesmo quando ouço um Led Zeppelin III ou um Déjà Vu. Depois conheci o samba, e o Vermute que me perdoe, mas ainda prefiro o rock.
Caso o conteúdo deste blog ofenda artistas e/ou gravadoras, nos prontificaremos a retirar o elemento de atrito - mas é claro que não estocamos a encrenca. Cuidado. Agentes do FBI podem entrar na sua casa. Compre os discos se o preço não estiver um absurdo.
Eu gosto pacas do Kings of Leon, desde o primeiro CD. Os caras são fodas e, por isso, eu acho que eles merecem entrar nessa minha seção de "Novos gênios", que eu não repito desde meu segundo post. O último álbum, Because of The Times, é especialmente bom, mesmo sendo o trabalho em que eles tenham perdido aquela pegada mais country. Na minha opinião, saiu o country e entrou a maturidade. E parece que é essa mesma pegada que vem no disco novo, Only by The Night, que sai ainda neste mês de setembro e já tem single no MySpace. O título da música é "Sex On Fire". Vai lá!
