Os arretados Allman Brothers

Li uma notícia interessante sobre brigas entre bandas, gravadoras e o tal do download publicada ontem no New York Times. A banda em questão, aliás, é uma das minhas favoritas.

Diz a pequena matéria que os remanescentes membros do Allman Brothers Band estão processando a gravadora UMG Recordings com base no argumento de “exploração digital”. Liderado por Gregg Allman, o grupo alega que suas músicas foram comercializadas, sem o pagamento devido dos royalties, por meio de CDs não autorizados, ring tones e iTunes. O valor da indenização seria de U$ 13 milhões. Amigo e economista de plantão do Ferrugem, Fernando Ferrari, pode transformar isso em reais por favor?

Não quero entrar no mérito da questão, mas faltou dizer que as “músicas comercializadas” indevidamente foram gravadas entre 1969 e 1980.

Em conversa com o colunista Juliano, tive a idéia de cutucar com a vara mais curta da história uma banda que admiro. Por isso, não me venham processar Allman Brothers, pois disponibilizo aqui o primeiro disco de vocês.

Lançado em 1969, The Allman Brothers Band não foi lá muito bem aceito pelo público, mas foi aclamado pela crítica. Conseguiu atrair atenção somente pelo fato de ter sido um dos pioneiros em resgatar o rock sulista dos Estados Unidos. Formado em uma cidadezinha chamada Macon, Geórgia, estado natal de Ray Charles e outros, o grupo dos irmãos Duane e Gregg Allman traziam em suas composições uma característica única: união entre poderosos riffs que representavam culturalmente a região e uma vertente moderna para criar improvisações.

No disco, dois clássicos que seriam marcas registradas em grandiosos shows realizados em Fillmore East entre os anos de 1970 e 1971. “Dreams” e “Whipping Post” tornaram-se duas das maiores músicas da banda e realmente são registros inquestionáveis da habilidade de Duane tocando slide guitar e de seu irmão Gregg, vocalista e tecladista exuberante. É importante lembrar que Duane morreu dois anos depois do lançamento desse álbum em um acidente de moto, tragédia que viria a repercutir negativamente no som da turma em trabalhos futuros.

Caso essa brincadeira de “bom gosto" ofenda você Gregg, por favor não peça U$ 13 milhões. Somos humildes estudantes de jornalismo.

Ficha Técnica

The Allman Brothers Band – The Allman Brothers Band
Lançamento original: novembro, 1969

Músicas para download

1- Don’t Want You No More (Spencer Davis / Eddie Hardin) – 2:29
2- It’s Not My Cross To Bear (Gregg Allman) – 4:48
3- Black Hearted Woman (Gregg Allman) – 5:20
4- Trouble No More (Muddy Waters) – 3:47
5- Every Hungry Woman (Gregg Allman) – 4:16
6- Dreams (Gregg Allman) – 7:19
7- Whipping Post (Gregg Allman) - 5:19

O video de “Whipping Post”, gravado em Fillmore East. A qualidade é tosca, eu sei, mas vale a pena.

Memória póstuma a Isaac Hayes

O cara tinha uma careca lisinha lisinha e uma voz grossa grossa. Morreu sabe-se lá de que, aos 65 anos, depois de acumular o apelido de músico mais “quente” do funk. Conquistou o povo negro ao fechar o Festival de Wattstax em 1972, resposta musical e política dos “irmãos” ao Woodstock e espécie de celebração dos conflitos ocorridos no subúrbio de Watts, próximo de Los Angeles, em 1965 – fato que culminou com a morte do ativista Martin Luther King.

Quase que política entra de fininho aqui no Ferrugem.


Como o papo aqui é música, meu humilde desejo é realizar uma memória póstuma a Isaac Hayes e comentar o que, para mim, é seu melhor disco: Hot Buttered Soul, de 1969. Pode gritar, espernear e chorar dizendo que a trilha sonora para o filme Shaft, de 1971 é melhor. Bom... gosto, como meu amigo Fel Mendes do Vermute gosta de dizer, é igual braço. Ou você tem ou você não tem.

Como o próprio nome diz, esse disco é amanteigado e quente. A voz sussurrada de Isaac Hayes é um atestado que romantismo precisa ser também sensual e que a soul music é mais que uma dose de três minutos de sentimentalismo. Arranjos incríveis, interpretação classuda e um som que viria influenciar uma geração inteira. Como fica claro pelo tempo de cada música, três acima dos 9 minutos, o músico e seu teclado tiveram total liberdade dentro dos estúdios da Stax, espécie de irmã pobre da Motown; ou melhor, espécie de irmã experimental.

Ficha Técnica


Hot Buttered Soul - Isaac Hayes
Lançamento original: julho, 1969

Músicas para download

1- Walk On By (Burt Bacharach / Hal David) - 12:03
2- Hyperbolicsyllabicsesquedalymistic (Isaac Hayes / Alvertis Isbell) - 9:38
3- One Woman (Charles Charmer / Sandra Rhodes) - 5:10
4- By The Time I Got To Phoenix (Jimmy Webb) - 18:42

Para aqueles que espernearam, a introdução de Shaft, em Wattstax. "The baaaad motherfucker".

O country-rock do The Byrds

Mais uma do fundo do baú...

Depois de estourar de tanto sucesso após o lançamento do disco The Notorius Byrd Brothers, acompanhar a saída melancólica do bigodudo David Crosby e do baterista de confiança Michael Clarke, The Byrds era uma banda cansada. Como procurar novo ânimo? Talvez uma nova “pegada”? Ou quem sabe uma nova força criativa para levantar a moral? A resposta de Roger McGuinn, cérebro por trás do conjunto formado em 1965, foi apostar na conversa mole ao mais estilo mineiro possível de Chris Hillman e Gram Parsons.

A proposta de mudar de rumo feita por McGuinn mudou a perspectiva de Hillman e Parsons. Os dois ex-membros da banda country The Flying Burritos Brothers embarcaram na onda e decidiram reviver suas raízes de bluegrass adquirida pelos descampados do centro-norte dos Estados Unidos. Aí a fórmula estava pronta. Música para caipira, COM o tanto de rock que os Byrds antigos sempre foram mestres: fortes refrões com linhas dedilhadas misturado ao British Invasion versão mais lírica. O resultado é o disco Sweetheart of The Rodeo, considerado um dos pioneiros no estilo country-rock.

Coisas boas sobre o álbum: ele tem a melhor versão de “You Ain’t Going Nowhere”, do Bob Dylan, (talvez, melhor mesmo até que a original); ele te faz esquecer as breguices country das quais você tem medo de escutar; ele te mostra que banjo, bandolim, cravo e outros instrumentos podem SIM fazer parte de uma banda de rock; ele revela canções tradicionais da cultura desbravadora do oeste norte-americano e para quem gosta de filmes de faroeste isso é divertido... E aí, quer mais?

PS: desculpem-me a ausência de quase duas semanas. Ócios do ofício, sim ofício.

Ficha Técnica


Sweetheart of The Rodeo - The Byrds
Lançamento original: julho, de 1968
Gravadora: Columbia
Duração: 32:26


Músicas para download


1. "You Ain't Going Nowhere" (Bob Dylan) – 2:38
2. "I Am a Pilgrim" (trad. arr. Roger McGuinn & Chris Hillman) – 3:42
3. "The Christian Life" (Charles Louvin, Ira Louvin) – 2:33
4. "You Don't Miss Your Water" (William Bell) – 3:51
5. "You're Still on My Mind" (Luke McDaniel) – 2:26
6. "Pretty Boy Floyd" (Woody Guthrie) – 2:37
7. "Hickory Wind" (Gram Parsons, Bob Buchanan) – 3:34
8. "One Hundred Years from Now" (Parsons) – 2:43
10. "Blue Canadian Rockies" (Cindy Walker) – 2:05
11. "Life in Prison" (Merle Haggard, J. Sanders) – 2:47
12. "Nothing Was Delivered" (Bob Dylan) – 3:34


Confira "I Am a Pilgrim"

O Traffic depois do LSD

O primeiro trabalho do Traffic, lançado em 1967 com o nome sugestivo de Mr. Fantasy, foi aclamado pela crítica, mas é daqueles discos complicados de ouvir: instrumentos distintos, como flauta, saxofone, tambores, organizados de maneira desordenada. Algo como uma música avant-garde com um misto de psicodelia. É, eu também estranhei! Para quem curtir o estilo, sugiro uma fantástica e esquecida banda: Presidents of The United States of America (não, não é aquela da bela musiquinha “Peaches”).

Bom, logo em seguida, a banda criada por Steve Winwood em parceria com outros doidões deixou de lado as canções orientadas pelo consumo inquieto de LSD e partiram para uma leitura mais pop. O resultado é uma mistura agradável pra porra de blues, rock psicodélico e um moderno jazz. O segundo disco carrega o nome do grupo e, para mim, representa exatamente a sonoridade pretendida por seus membros: uma relaxante viagem. Outros poderão dizer que John Barleycorn Must Die é o melhor trabalho desses caras de Birmingham (Reino Unido). Discordo, sem falsa modéstia.

Apesar de Steve Winwood ser considerado o mentor por trás da sonoridade moderna do Traffic, nesse segundo disco é Dave Mason quem rouba a cena. O baixista, que já havia tocado com Jimi Hendrix e com os Rolling Stones, compôs a maioria do primeiro lado do álbum. Outro que marca presença de forma magistral é Chris Wood, com sua flauta suave. Já ouvi dizer que ele foi comparado com Ian Anderson, do Jethro Tull. Pô! Sacanagem. Aquele toca seu instrumento com uma orientação clássica, já o maluco barbudo do Tull estraçalha sua flauta como se fosse uma guitarra elétrica.

Vários clássicos nesse trabalho do Traffic: “You Can All Join In” abre o disco e convida os ouvintes para uma deliciosa prática. “Feellin’ Allright” virou lenda entre vários músicos ingleses e foi imortalizada com a voz rouca e potente de Joe Cocker. “Means to an End” – minha favorita – fecha o ciclo com potência: é a mais animada e revela a poderosa batucada do insano Jim Capaldi.

Um belo disco!

Ficha Técnica

Traffic – Traffic
Lançamento original: outubro, 1968
Duração: 40:24
Produzido: Jimmy Miller

Músicas para download

1. You Can All Join In (Mason) – 3:34
2. Pearly Queen (Capaldi/Winwood) – 4:20
3. Don’t Be Sad (Mason) – 3:24
4. Who Knows What Tomorrow May Bring (Capaldi/Winwood/Wood) – 3:11
5. Feellin’ Alright (Mason) – 4:16
6. Vagabond Virgin (Capaldi/Mason) – 5:21
7. Forty Thousand Headmen (Capaldi/Winwood) – 3:15
8. Cryin’ to Be Heard (Mason) – 5:14
9. No Time To Live (Capaldi/Winwood) – 5:10
10. Means To An End (Capaldi/Winwood) – 2:39

Dá uma olhada na música Forty Thousand Headmen, gravada ao vivo em um show de 1972.

A dureza de Leonard Cohen

O site oficial não confirmou ainda. Mas, um blog bastante confiável de um jornalista do Estadão, Jotabê Medeiros, avisou: Leonard Cohen é uma grande promessa para shows em São Paulo e falta apenas fechar os valores para que o canadense de voz grossa aporte em terras brasileiras. Achei ótima a notícia, mas tenho ressalvas. Ultimamente tenho tido dificuldade em ouvi-lo. Suas músicas sempre possuem uma textura brega, um sax invariavelmente com som de motel... vai saber o que ele tocará aqui!

Mas, como a notícia ainda não pode ser 100% confirmada, fico apenas na expectativa. Talvez por causa disso, resolvi dar mais atenção a um disco que achei formidável na hora que ouvi pela primeira vez, mas que agora ganhou outros significados para mim. Em 1967, fugindo da maluca onda dos hippies e suas sonoridades espaciais, Leonard Cohen lançou seu primeiro disco, The Songs of Leonard Cohen, com mais de 30 anos! Talvez em função da idade, é um trabalho muito maduro, sustentado por metáforas cuidadosamente escolhidas e por uma linha de violão que é a expressão de um antigo e já perdido folk. É um álbum muito gostoso de ouvir - os arranjos de voz contam com uma moça, que, meu Deus, devia ser a pessoa mais linda do mundo... (alguém aí sabe o nome dela?). É perfeito e simples.

Misturando mais coisa nesse post, que ainda não consegui definir se é noticioso ou se é apenas mais uma resenha, queria falar de um filme de faroeste que utilizou em sua trilha sonora três músicas desse mesmo disco do Leonard Cohen. Andei conversando com amigos fanáticos do E-digo-mais (acesse, vale a pena!) e todos os seus membros não o conheciam. O filme no Brasil ganhou o nome de “Quando os Homens são Homens” e mais tarde teve o título “Jogos e Trapaças” acrescentado. O original é bem mais simples: “McCabe & Mrs. Miller”.

Warren Beatty, de “Bonnie e Clyde”, é um jogador de poker que decide desbravar uma pequena e pobre cidade, localizada no limite da fronteira entre Estados Unidos e Canadá. O forasteiro decide abrir um bordel e para isso compra (!) várias moças caridosas para trabalhar em seu novo estabelecimento. Percebendo a oportunidade de crescer em sua profissão, a experiente prostituta Mrs. Miller (a belíssima Julie Christie, de “Doutor Zhivago”) propõe uma parceria com McCabe. A notícia de que ambos prosperaram com o negócio logo cai na boca do manda-chuva da região, um durão que comanda uma equipe de mineradores: sujeira! A partir daí, o antes naturalista filme do aclamado diretor Robert Altman transforma-se em uma genial caçada psicológica e política. Alguém, sempre, precisa ceder. Nos westerns, geralmente essa equação é movida pela força da pistola.




Se por acaso assistirem ao filme, prestem atenção nas belíssimas músicas de Leonard Cohen, que sustentam a trama de maneira brilhante. A voz dura do canadense é um belo suporte para a dureza da terra, fria e lamenta, da cidade antes tediosa e que, com a chegada de um forasteiro, vira um caldeirão prestes a borbulhar. “Winter Lady”, “The Stranger Song” (minha favorita) e “Sisters of Mercy” foram as escolhidas por Robert Altman para compor seu filme. Vale a pena!

Ah, só mais... Leonard Cohen é famoso por compartilhar suas músicas em trilhas sonoras. Outro exemplo grandioso, na minha modestíssima opinião, é no filme "Assassinos por Natureza", do ex-bom-diretor Oliver Stone. "Waiting for a Miracle" e "The Future" são de pirar.

Ficha Técnica do filme




Título: Jogos e Trapaças – Quando os Homens são Homens
Título original: McCabe e Mrs. Miller
Lançamento: junho, 1971
Diretor: Robert Altman
Atores: Warren Beatty (McCabe) e Julie Christie (Mrs. Miller)
Duração: 120 min

Ficha técnica do disco


The Songs of Leonard Cohen – Leonard Cohen
Lançamento original: dezembro, 1967
Duração: 41:09
Produtor: John Simon
Gravadora: Columbia

Músicas para download

1. Suzanne – 3:48
2. Master Song – 5:55
3. Winter Lady – 2:15
4. The Stranger Song – 5:00
5. Sisters of Mercy – 3:32
6. Song Long, Marianne – 5:38
7. Hey, That’s No Way to Say Goodbye – 2:55
8. Stories of the Street – 4:35
9. Teachers – 3:01
10. One of Us Cannot Be Wrong – 4:23

O eterno Van Morrison

Achei difícil encontrar um jeito de começar esse post. Confesso que a segunda parte dele saiu bem mais fácil. Cara, como falar sobriamente de um disco que surpreende não pela novidade, mas sim por transformar o velho em novo? Acho que é exatamente isso que Van Morrison conseguiu fazer com seu novo trabalho: Keep It Simple, lançando nos Estados Unidos no dia 1º de abril.

Fiquei com a impressão de ter ouvido a voz da sabedoria. Nada de simples nesse álbum: o velhinho voltou a fazer um disco de blues carregado com influências do R&B e no Soul, solto do ponto de vista técnico, já que mantém seu estilo único de cantar com sofrimento, e incrivelmente animado. “That’s Entrainment”, “Song Of Home” e “Behind The Ritual” são os pontos MAIS altos.

Já que as minhas palavras saíram complicadas, deixo aqui uma tradução livre do que foi escrito sobre o disco no site da Amazon (para a versão original, e bem mais poética, escorregue aqui!)

"Em Keep It Simple, Morrison veste todos os trajes como compositor, músico e letrista e prova ser uma pessoa astuta e bem-sucedida como produtor também, escolhendo ardilosamente manter todos os vocais e instrumentos em sua forma orgânica e original (first takes).”

Um puta elogio!

Ficha Técnica


Keep It Simple – Van Morrison
Lançamento original: abril, 2008
Duração: 49:54
Gravadora: Lost Highway

Músicas para download

1. How Can A Poor Boy – 5:43
2. School Of Hard Knocks – 3:44
3. That’s Entrainment – 4:32
4. Don’t Go To Nightclubs Anymore – 4:31
5. Lover Come Back – 5:15
6. Keep It Simple – 3:34
7. End Of The Land – 3:16
8. Song Of Home – 4:12
9. No Thing – 4:31
10. Soul – 3:36
11. Behind The Ritual – 6:59

Sempre à sombra

Esse lançamento fez com que minhas atenções também se voltassem ao passado de Van Morrison. Suas produções recentes, ainda que frutíferas, sempre serão sujeitas a comparações com um dos maiores discos da história da música britânica. Em setembro deste ano, Astral Weeks completará 40 anos de vida. O incrível é que sua atualidade ganha forças cada vez que você o coloca para tocar.

Esse disco foi criado por um processo de fluxo de consciência bastante melancólico: músicas sobre a infância, sobre amores perdidos e amores encontrados, figuras nas paredes que fazem rememorar sensações de mediocridade. Tudo isso está lá, velado sobre a forte voz de Van Morrison, às vezes exagerada na medida certa (sei lá se isso é possível). Ali no ponto, todos os instrumentos trabalham somente para a voz do cantor: ajudam-no cantar a dor, ajudam-no a sentir tudo que está na pele. Por isso, as letras são desconexas, trabalham pelo ritmo. Gosto muito desse trabalho. O baixo de madeira dá uma sensação clássica, ao contrário dos teclados e sopros que conduzem a um caminho moderno. O simples trabalho de violão é essencial e marca as raízes irlandesas do compositor.


É sempre importante lembrar que Astral Weeks foi produzido em um momento péssimo da carreira do criador da estonteante “Gloria”. Van Morrison revelou, anos depois, que passava fome (literalmente) à época das gravações. Além disso, não tinha em sua companhia membros de suas antigas bandas e, sendo assim, as sessões dentro dos estúdios eram realmente para expelir sentimentos. Está aí: visceral, essa é a palavra (já desgastada).

Muitos mitos foram criados em torno deste disco. Principalmente após o cri-crítico Lester Banks afirmar que ele transformou sua vida. O escritor afirma que nunca havia ouvido nada parecido com isso e, depois de tomar diversas pílulas de sei-lá-o-que, sentiu realmente o que era a dor de viver. Na minha opinião tudo bizarro ao estilo de Banks, mas o cara estava certo: não há nada igual a Astral Weeks. Além disso, o próprio nome do trabalho também ganhou conotações místicas, assim como a música “Madame George” - cujo título original “Madame Joy” foi descartado na hora do lançamento - foi tido com um hino a um travesti inglês. Tudo besteira!

Acho a faixa “Ballerina” a mais linda do álbum. “Cyprus Avenue” é a mais inquietante, com suas aliterações excelentes! “They Way Young Lovers Do” é a mais divertida. E a que leva o nome do disco é a mais... foda?

Ficha Técnica


Astral Weeks – Van Morrison
Lançamento original: setembro, 1968
Duração: 46:05
Gravadora: Warner

Músicas para download

1. Astral Weeks – 7:00
2. Beside You – 5:10
3. Sweet Thing – 4:10
4. Cyprus Avenue – 6:50
5. The Way Young Lovers Do – 3:10
6. Madame George – 9:25
7. Ballerina – 7:00
8. Slim Slow Slider – 3:20

Não tem nada a ver com o post, mas deixo aqui uma versão de “Gloria” com o John Lee Hooker. Acho que depois dessa, no mínimo um dos discos alguém vai querer baixar!

Boogie com o Canned Heat e John Lee Hooker

Parcerias incríveis já marcaram seu espaço na história da música e não vou ficar aqui citando somente para fazer número. Prefiro falar de uma que talvez não tenha ganhado tanta notoriedade, mas também carrega o peso de ser um clássico. Apoiando-se em uma de suas principais influências, a banda californiana Canned Heat convidou John Lee Hooker, um dos guitarristas mais inconstantes do blues norte-americano para uma sessão descontraída (bem ao estilo do cara). O resultado é o disco Hooker ‘N Heat (gravado em 1970), um conjunto de faixas que cobre arranjos tradicionais e consagrados a jams bolados na hora pela galera.

Um bom exemplo do “estado de relaxamento” no qual esse disco foi gravado é “Burning Hell”. No começo da música, John Lee Hooker e o vocalista do Canned Heat se divertem ao comentar se deveriam ou não continuar soltando a mão. Hooker aproveita para elogiar a capacidade de um branquelão em acompanhá-lo com a gaita... vale a pena!

Não dá para contar a história desse disco sem falar um pouco do Canned Heat, banda que alcançou um sucesso razoável no final dos anos 60 – principalmente após grandes apresentações nos festivais de Monterrey e Woodstock –, mas que atualmente não ouço muito por aí. Liderado pelo barbudão Bob “Bear” Hite e pelo guitarrista Alan “Blind Owl” Wilson (também considerado um dos melhores com uma gaita na mão), o grupo seguiu, e talvez liderou, uma tendência bastante forte da época: reviver o blues tradicional. Também coloco para download, o segundo trabalho desses caras: Boogie With Canned Heat, lançado em 1968.

Nesse disco, é engraçado perceber como o forte relacionamento do grupo influencia no som. Exemplo disso é a última faixa, “Fried Hockey Boogie”, uma apresentação cômica de todos os membros da banda: cada um participa da roda “apresentado” seu instrumento, o que resulta em um jam bastante carregado no boogie (ouça também Boogie Chillen, do álbum Hooker ‘N Heat). A minha favorita é “On The Road Again”, que pode ser ouvida no belíssimo filme Na natureza Selvagem. (Se você também curte cinema, dá uma olhada no blog E-Digo-Mais).

Já John Lee Hooker dispensa muitos comentários. Cara! Eu acho esse negão fodido. O estilo limpo de tocar, sem muitos floreios, e o som grandioso que ele arranca de uma guitarra semi-acústica é de dar inveja. Desculpe-me o entusiasmo, mas dê uma chance para o disco Urban Blues, lançado em 1967. Um álbum carregado de clássicos como “Boom Boom” (confira a versão do Yardbirds postada há alguns dias atrás!), “Cry Before I Go” e “Think Twice Before You Go”.

Ficha Técnica

Hooker ‘N Heat – John Lee Hooker and Canned Heat
Lançamento original: janeiro, 1971
Duração: 80:05
Gravadora: Liberty

Disco 1

1. Messin’ With The Hook
2. The Feelin’ Is Gone
3. Send Me A Pillow
4. Sittin’ Here Thinkin’
5. Meet Me In The Bottom
6. Alimonia Blues
7. Drifter
8. You Talk Too Much
9. Burning Hell
10. Bottle Up And Go

Disco 2

1. The World Today
2. I Got My Eyes On You
3. Whiskey And Wimmen’
4. Just You And Me
5. Let’s Make It
6. Peavine
7. Boogie Chillen No. 2

Ficha Técnica




Boogie With Canned Heat – Canned Heat
Lançamento original: janeiro, 1968
Duração: 39:00
Gravadora: Liberty

Músicas

1. Evil Woman
2. My Crime
3. On The Road Again
4. World In a Jug
5. Turpentine Moan
6. Whiskey Headed Woman No. 2
7. Amphetamine Annie
8. An Owl Song
9. Marie Laveau
10. Fried Hockey Boogie

Ficha Técnica

Urban Blues – John Lee Hooker
Lançamento original: 1967
Duração: 27:54
Gravadora: MCA

Músicas

1. Cry Before I Go
2. Boom Boom
3. Backbiters And Syndicaters
4. Mr. Lucky
5. My Own Blues
6. I Can’t Stand To Leave You
7. Think Twice Before You Go
8. Hot Spring Water, Part I
9. Hot Spring Water, Part 2
10. The Motor City Is Burning
11. I’m Standing In Line
12. I Gotta Go To Vietnam

Também aproveito para colocar um ótimo vídeo do Canned Heat. É Woodstock, 1969, e muitos peitos pulando na tela! A música, aliás, é “Going Up The Country”, lançada no disco posterior ao postado aqui: Living The Blues.

Do fundo do baú - The Yardbirs

Sabe aquelas preciosidades guardadas no fundo do baú de uma coleção que você não dá a mínima? Engraçado. Eu conheci os Yardbirds, uma puta banda de blues britânico do início dos anos 60, dessa maneira. Meu irmão comprou o disco duplo Smokestack Lightning, uma compilação que une – quase que inteiramente – For Your Love e Having A Rave Up –, logo quando eu estava começando a me interessar por música de verdade. No começo, não dei muita atenção para esses caras de gravata que tocavam um blues carregado na seção rítmica e bastante influenciado pelos grandes nomes do Delta norte-americano.

Depois de um tempo, resolvi dar maior atenção e li no encarte que acompanha o trabalho a seguinte introdução: “Dependendo de sua perspectiva, os Yardbirds foram ou uma nota de rodapé na história do Led Zeppelin e também na história de três dos maiores guitarristas do mundo, ou simplesmente uma das bandas mais importantes dos anos 60, atrás apenas de Beatles e Rolling Sontes”. Prefiro nem comentar!

A verdade é que isso já é o suficiente para você ter vontade de ouvir essa banda. Logo no começo de sua carreira, Eric Clapton se juntou a Keith Relf, vocalista asmático que não possui nenhuma técnica, mas uma paixão incrível, o intuitivo Jim McCarty, seguro com suas baquetas, além de Chris Dreja (guitarra) e Paul Samwell-Smith (baixo) para roubar a cena nos clubes de Londres.

Com Clapton cada vez menos envolvido nas gravações, Jeff Beck foi convocado para assumir o coração da banda e não decepcionou: o imenso sucesso conquistado nos Estados Unidos, aliás, é inteiramente credenciado ao guitarrista, cujo apelido viria a ser “crazy fingers”. Com a saída de Beck, Jimmy Page assume o papel e, obviamente, o nível só aumenta.



Resumindo: o disco Smokestack Lightning cobre as gravações de toda a carreira de Eric Clapton com os Yardbirds, quase toda a passagem de Jeff Beck e o começo promissor de Jimmy Page. Além de uma coletânea histórica (1963-1966), todas as músicas são fodas. No Volume 1, os principais sucessos são “For Your Love”, “Got To Hurry”, “My Girl Sloopy”. Já no Volume 2, que revela maior maturidade dos garotos ingleses, “Still I’m Sad”, “The Train Kept A Rolling” (o MotörHead, alias, fez uma versão até que interessante) e “Heart Full Of Soul” são os pontos altos.


Ficha Técnica




Smokestack Lightning (Vol 1 e 2) – The Yardbirds
Lançamento: 1991
Duração: 38:33 (Vol 1) e 55:50 (Vol 2)
Gravadora: Sony

Vol 1

1. For Your Love – (G. Gouldman)
2. I’m Not Talking – (M. Allison)
3. Putty (In Your Hands) – (K. Rogers, J. Patton)
4. I Ain’t Got You – (C. Carter)
5. Got To Hurry – (O. Rasputin)
6. I Ain’t Done Wrong – (K. Relf)
7. I Wish You Would – (B. B. Arnold)
8. A Certain Girl – (N. Neville)
9. Sweet Music – (M. Lance, O. Cobbs, W. Bowie)
10. Good Mourning Little Schoogirl – (H.G. Demarais)
11. My Girl Sloopy – (B. Russel, W. Farell)
12. Good Mourning Little Schoolgirl (Live) – (D. Demarais)
13. I’m Talking About You – (C. Berry)
14. Got To Hurry (Alternate Version) – (O. Rasputin)

Vol 2

1. You’re A Better Man Than I – (M. Hugg, B. Hugg)
2. Evil Hearted You – (G. Gouldman)
3. I’m A Man – (E. McDaniel)
4. Still I’m Sad – (S. Smith-McCarty)
5. Heart Full Of Soul – (G. Gouldman)
6. The Train Kept A Rollin’ – (T. Bradshaw, L. Mann, H. Kay)
7. Smokestack Lightning (Live) – (C. Burnett)
8. Respectable (Live) – (O.K. Isley, R. Isley)
9. I’m A Man (Live) – (E. McDaniel)
10. Here ‘Tis (Live) – (E. McDaniel)
11. Boom Boom – (J. L. Hooker)
12. Honey In Your Lips – (K. Relf)
13. Smokestack Lightning (Live) – (C. Burnett)
14. I Wish You Would (Live) – (B. B. Arnold)

Alvin Lee e o Ten Years After

Vou ser bem sincero. Sou o único colunista deste blog sem nenhuma formação musical. Meus companheiros todos compartilham, além de um conhecimento formal sobre o assunto, a prática – cada qual com seu instrumento, mas beleza. Queria colocar isso aqui antes que um “erudito” me repreendesse por sempre falar mais sobre gosto do que sobre técnica. Mas sugiro, gosto geralmente se sobrepõe a qualquer coisa. Ah, que alívio! Agora posso falar sobre a minha mais recente paixão, o blues psicodélico do Ten Years After.

Esse grupo inglês gravou seu primeiro disco em 1967 e, de início, lançou um fantástico guitarrista em um cenário musical dominado pelo mago Eric Clapton, presente na maioria das bandas fodidas da época. À frente de outros companheiros bastante talentosos, Alvin Lee – aclamado pela rapidez na hora de solar – produziu sua obra prima, Ssssh, dois anos depois de seu álbum debutante.

Nome estranho para um disco. Acho a capa ainda mais bizarra. Mesmo assim, foi com esse aí que o Ten Years After chegou ao ápice de seu som. Unindo um blues de primeira e uma pegada rock influenciada bastante pelo psicodelismo do final dos anos 60, Alvin Lee e companhia conseguiram encantar com músicas líricas, pesadas e com uma releitura excelente da clássica “Good Morning Little Schoolgirl”, de Sonny Boy Williamson. “Bad Scene”, “Stoned Woman” (minha favorita) e “I Woke Up This Morning” também são geniais.
Esse grupo também cairia nas graças do público norte-americano depois de sua apresentação magnífica em Woodstock. Com “I’m Going Home”, lançada no disco ao vivo Undead, Alvin Lee levou a galera à loucura misturando rapidez e sutileza ao trocar diversas vezes a intensidade da música. Coloquei também o vídeo desse show para quem quiser conhecer “pessoalmente” o cara.

Ficha Técnica

Ssssh – Tem Years After
Lançamento original: julho, 1969
Gravadora: Decca

Músicas para download

1. Bad Scene
2. Two Time Mama
3. Stoned Woman
4. Good Morning Little Schoolgirl
5. If You Should Love Me
6. I Don’t That You Don’t Know My Name
7. The Stomp
8. I Woke Up This Morning

O trovador escocês

Coletâneas são bastante úteis quando você não conhece um artista e quer uma visão geral sobre ele. Ok, então, se a coletâneas for competente, você pode passar a ser um fã do cara. Comigo o exemplo mais contundente foi quando, afim de aprender um pouco sobre David Bowie, baixei a ótima compilação em dois volumes do Camaleão. Foi foda. Outra boa coletâneas é o Best Of do Blur. Não dá vontade de pular uma faixa sequer.
É exatamente por isso que resolvi, ao invés de colocar um bom álbum, colocar aqui essa coletânea bastante honesta de um cara meio escondido, mas bastante talentoso, o escocês Donovan que NÃO é o Donavon Frankenreiter. Não tenho estatísticas e nem faço questão, mas acredito que mesmo as pessoas que curtem bastante sons da década de 60 não conheçam as canções do trovador que viajou junto com os Beatles para a Índia em 1968. Pra falar a verdade, ele fez mais do que isso, já que, nessa viagem ensinou a Paul McCartney e John Lennon um tipo peculiar de dedilhado, o chamado clawfinger. Ah, você não sabe o que é isso? Então ouça “Dear Prudence” ou “Blackbird”, ambas do Álbum Branco. Paul, em sua biografia, diz que não conseguiu aprender exatamente o que Donovan ensinou, mas o resultado final foi inegavelmente bom e produtivo, já que muitas décadas depois ele ainda gravaria “Jenny Wren”.

Beleza, agora sobre o disco...

Acredito que nesse álbum você pode sentir todo o lirismo literário do artista. Ele consegue em muitas músicas contar histórias bonitas, em outras verdadeiros hits pop com aquele inevitável feeling psicodélico da época. Experimente “Lalena” e “Atlantis” para o sentimento grandioso de uma história mitológica. Coloque “Mellow Yellow” ou “Wear Your Love Like Heaven” para o que seria alguma fonte de inspiração para o que gostamos de chamar de britpop.

É verdade que ele já foi considerado a “resposta britânica para Bob Dylan”, e também é verdade que em muitas músicas ele adota o estilo voz-e-violão-com-gaita-meio-mal-tocada, mas é exatamente no oposto disso que seu estilo chama atenção já que, ao contrário do que pode-se considerar o jeito mal-humorado e resmunguento de Dylan, Donovan é um dos melhores representantes do flower power e suas linhas são doces e bem-humorados, muitas vezes adicionando sons inusitados e coloridos à sua música. Justamente por isso, são faixas como “Sunshine Superman” que funcionam como um bom exemplo de sua música e não – na minha opinião, boas canções com “Catch the Wind” que acaba inevitavelmente sofrendo por lembrar demais “Blowin' in the Wind”.
E o sotaque só aumenta o charme das músicas. Pode mandar ver, é bem legal.



Ficha Técnica
Sunshine Superman – The Very Best of Donovan
Gravadora: EMI, 2002


Músicas para download

1."Sunshine Superman" – 4:33
2."Mellow Yellow" – 3:39
3."Catch the Wind" – 2:55
4."There Is a Mountain" – 2:35
5."Colours" – 2:45
6."Jennifer Juniper" – 2:42
7."The Trip" – 4:34
8."Sunny Goodge Street" – 2:55
9."Happiness Runs" – 3:25
10."Poor Cow" – 2:57
11."Preachin' Love" – 2:40
12."Hurdy Gurdy Man" – 3:13
13."Superlungs My Supergirl" – 2:40
14."Season of the Witch" – 4:55
15."Turquoise" – 3:30
16."Epistle to Dippy" – 3:10
17."Sand and Foam" – 3:19
18."Atlantis" – 4:59
19."Guinevere" – 3:40
20."Wear Your Love Like Heaven" – 2:24
21."Barabajagal (Love Is Hot)" – 3:21
22."Laleña" – 2:54

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John Mayall e o blues britânico

A Inglaterra sempre foi sujeita a influências norte-americanas quando o assunto é blues. Não que isso seja algo realmente ruim, já que na terra da rainha surgiu uma lenda viva desse estilo, que terá a oportunidade de mostrar sua carreira no Brasil mais uma vez. No dia 17 de maio, na Via Funchal, o bluesman John Mayall retorna a São Paulo para a turnê de lançamento de seu novo disco In the Palace of the King. A grande maioria das publicações que noticiaram a vinda do “avô do blues britânico”, no entanto, não especificaram quais membros do The Bluesbreakers, banda que acompanha Mayall nas gravações desde o começo dos anos 60, irão tocar na Paulicéia.

Quem dividirá o palco com John Mayall é o guitarrista Buddy Whittington, o baixista Hank Van Sickle e o baterista Joe Yuele. Nenhum deles participou das primeiras criações do Bluesbreakers do meio da década de 60.

Além do aviso, este post também pede licença para lembrar um dos maiores discos da história do blues. Depois de tocar em vários bares de Londres com diferentes formações e sem muito sucesso, John Mayall convidou o jovem Eric Clapton, que havia recentemente deixado a banda The Yardbirds e começava a sua frutífera carreira como guitarrista. Com sua insidiosa guitarra Gibson Les Paul, que até então não havia sido usada com amplificadores Marshall, Clapton soube captar a essência das músicas compostas por Mayall, além de modernizar canções de grandes nomes do blues, como Freddie King e Mose Allison.

The Bluesbreakers with Eric Clapton atingiu o sexto lugar na lista dos discos mais vendidos de 1966 e se tornou uma grande referência para artistas que procuravam um novo estilo de tocar guitarra, tanto que jovens inflamados pichavam paredes da capital inglesa com os dizeres “Clapton Is God”. Apesar do sucesso, Clapton deixou os Bluesbreakers em menos de um ano e formou o power trio Cream, com apoio de Jack Bruce (que também havia feito parte da banda de Mayall) e o baterista Ginger Baker.

Neste disco com Eric Clapton, John Mayall pôde focar suas atenções nas estruturas harmônicas, tornando-o bem acabado e bem gravado. Além das releituras de grandes clássicos do blues, como “All Your Love” (escrita por Willie Dixon e Otis Rush), o vovô de barbas loiras também conquistou o país com sua habilidade de tocar gaita, piano e Hammond, bastante marcante na música “Little Girl”. Clapton também registra a sua primeira gravação nos vocais, com a triste “Ramblin’ On My Mind”, música tradicional dos Estados Unidos.

Ficha técnica

Bluesbreakers with Eric Clapton – John Mayall
Lançamento original: julho, 1966
Duração: 37:22
Gravadora: Deram

Músicas para download

1. All Your Love
2. Hideaway
3. Little Girl
4. Another Man
5. Double Crossing Time
6. What’d I Say
7. Key To Love
8. Parchman Farm
9. Have You Heard
10. Rambli’n On My Mind
11. Steppin’ Out
12. It Ain’t Right

Ouça a instrumental Hideaway, composta por Freddie King, homenageado de John Mayall em seu último disco.

A melhor definição de soul

Chega de branquelos cabeludos. Este sujeito contorcido aí da esquerda pode ser considerado um dos melhores cantores negros da história da música norte-americana. De voz ríspida e completamente única, Wilson Pickett representou como nenhum outro o valor da música da alma do sul dos Estados Unidos. Em 1966, lançou seu segundo disco pela gravadora Stax, famosa por revelar outros grandes artistas negligenciados em função de sua cor. The Exciting Wilson Pickett alcançou grande sucesso no chamado R&B Chart, uma parada de sucessos destinada aos negros.

Dois grandes hits desse disco tornaram-se símbolos da soul music. “Land of 1,000 dances” e “In the Midnight Hour”, ambas carregadas de sentimento e empolgação, características básicas da carreira do artista apelidado Wicked. O sucesso dessas canções finalmente garantiu a Pickett estabilidade comercial. Desde que deixou os campos de algodão de Prattville, Alabama, o filho da mãe mais “malvada do mundo”, como ele gostava de falar, segurava-se somente em sua voz poderosa e acompanhava diversos grupos de gospel. Caminho este que Pickett logo percebeu ser estéril.

Com uma pegada nova, terno impecável e o clássico bigode estilo Magnum, Pickett utilizou as raízes da soul music, as características do pop e carregou suas canções de carisma para elaborar uma dançante e moderna combinação de estilos. Além dos dois grandes sucessos de seu excitante segundo disco, Pickett ganhou o coração de seus fãs com a despretensiosa “634-5789”, na qual implora para que seu amor ligue para ele, e com “Ninety-nine and a Half”. Particularmente, “Something You Got” e “Mercy Mercy” me entusiasmam ainda mais.

Um belo disco.

Ficha técnica

The Exciting Wilson Pickett – Wilson Pickett
Lançamento original: maio, 1966
Duração: 29:10
Gravadora: Stax

Músicas para download

1. Land of 1,000 Dances – 2:28
2. Something You Got – 2:58
3. 634-5789 – 3:00
4. Barefootin’ – 2:22
5. Mercy Mercy – 2:30
6. You’re So Fine – 2:30
7. In the Midnight Hour – 2:36
8. Ninety-nine and a Half – 2:44
9. Danger Zone – 2:12
10. I’m Drifting – 2:54
11. It’s All Over – 2:21
12. She’s So Good to Me – 2:17

Cinco anos depois do lançamento, Wilson Pickett, em um fantástico show na terra-mãe, especificamente em Accra, Gana, respondeu a uma pergunta que Ringo Starr havia lhe feito recentemente: o que é o soul? O vídeo mostra como Wicked achou um jeito de responder a Ringo e arrepiar o público. Além de Pickett, outros grandes artistas negros também tocaram no concerto chamado Soul to Soul, como Ike e Tina Turner. Vale a pena conferir o show completo.

O livro esquecido do Deep Purple

Os membros do Deep Purple original já afirmavam antes mesmo do hype do heavy metal ganhar proporções infelizes, que odiavam serem rotulados como uma banda de hard rock, ou seja lá o que isso significa. No começo de sua carreira, esta banda inglesa tinha cabelos razoavelmente longos, bigodes esquisitos, roupas piores ainda. Sim, eram psicodélicos. O primeiro disco do grupo Shades of Deep Purple, lançado em 1967, contém a formação original: Rod Evans no vocal, Ritchie Blackmore destruindo na guitarra, Nick Simper no baixo, o tecladista Jon Lord, também responsável pelos arranjos de corda, e Ian Paice na bateria. Com esta mesma gangue, surgiu o desconhecido e, pra mim, o melhor disco do Purple.

Altamente influenciado pelos mitos anglo-saxões, sempre identificados como a paixão de Blackmore, carregado de citações clássicas e bastante pesado para a época, o Deep Purple lançou o disco The Book of Taliesyn no ano seguinte de seu primeiro esforço. A música de abertura “Listen, Learn, Read On” narra sobre uma época na qual o homem era ensinado pela vida, passando por provações religiosas e atingindo a glorificação pelo punho de sua espada. O título do disco, aliás, é emprestado do manuscrito Livro de Taliesin, do famoso poeta homônimo do País de Gales, que organizou o livro com outros vários poemas de origem oratória.

Essa viagem ao século VI influenciou outras grandes bandas, como Uriah Heep e Wishbone Ash, e também marcaria uma grande virada na carreira do guitarrista Ritchie Blackmore. Antes do novo milênio, formou a banda Blackmore’s Night, na qual utiliza somente instrumentos folclóricos e compartilha o palco com a bela voz de Candice Night (veja o tamanho da piração em http://www.blackmoresnight.com/).

Embora este disco também apresente linhas mais agressivas, diferentemente do estilo mais voltado ao blues e aos experimentalismos da geração de 60 que o primeiro esforço da banda apresenta, The Book o Taliesyn ainda contém as bases sobre as quais o Deep Purple foi criado. Exemplo disso é a música “Kentucky Woman”, uma releitura da versão clássica composta por Neil Diamond.

Não me entendam errado. Deep Purple é uma das maiores bandas já criadas e seu repertório é um dos mais impressionantes da música. Mesmo assim, as raízes que transformaram o grupo em um sucesso que ainda hoje movimenta bastante o mercado, exemplo é o próximo show que farão nesta sexta-feira (dia 22), em São Paulo, foram esquecidas. The Book of Taliesyn é um marco na história da música inglesa e negligenciar isso em detrimento ao hard rock de épocas mais comerciais é triste.

Ficha técnica:

The Book of Taliesyn – Deep Purple
Lançamento original: outubro, 1968
Duração: 43:57
Gravadora: Harvest Records (Reino Unido)

Músicas para download:

1. Listen, Learn, Read On – 4:05
2. Wring That Neck – 5:13
3. Kentucky Woman – 4:44
4. Exposition / We Can Work It Out – 7:06
5. Shield – 6:06
6. Anthem – 6:31
7. River Deep, Mountain High – 10:12

Ano perfeito

Uma geração inteira pode ser compreendida pelo conteúdo cultural que produz. Em 1967, ano perfeito da música norte-americana e britânica, o mundo teve contato com discos que definiram os conceitos de hippie, psicodelismo e contracultura. Em meio aos lançamentos de clássicos já exaustivamente discutidos, como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, dos Beatles, Are You Experienced?, do Jimi Hendrix, a volta de Bob Dylan marcou as paradas da Billboard e causou entusiasmo na crítica especializada exatamente por não seguir o hype da época.

Recuperado de um grave acidente de motocicleta que o afastou dos holofotes da imprensa, Dylan voltou à velha forma: encostou a guitarra elétrica que marcou discos como Blonde on Blonde e começou a gravar sessões informais em um estúdio de Nashville, lar da música country dos Estados Unidos. Depois de aquecer os dedos acompanhados por integrantes do The Crackers, grupo que alcançaria sucesso com o nome The Band e com o qual Dylan lançaria The Basement Tapes em 1975, o compositor começou a produção do disco John Wesley Harding, esforço que contou com pouquíssima divulgação e nenhum single.

Acompanhado somente pelo baixista Charlie McCoy, o baterista Kenneth Buttrey e o guitarrista Pete Drake, famoso em Nashville pelo estilo único de tocar a steel guitar, Bob Dylan explorou temas como o folclore norte-americano - John Wesley Harding foi um bandido famoso no Velho Oeste –, parábolas bíblicas e, como não podia faltar, o descaso político com relação aos povos esquecidos da América.

Invariavelmente irritado com a publicidade que sua música alcançava, Bob Dylan limitou-se apenas a lançar seu disco agrário sem apelar para anúncios em dezembro de 1967. Apesar de John Wesley Harding não figurar entre os grandes destaques daquele ano, o compositor revelou, em entrevistas posteriores, que a produção do álbum foi extremamente importante para seu futuro como músico.

“Apenas duas músicas foram escritas junto com as melodias ("Down Along The Cove" e "I’ll Be Your Baby Tonight"). O resto eu compus primeiro no papel e depois encontrei a música para acompanhar. Nunca havia feito isso e não fiz novamente depois. Essa pode ser a razão pela qual considero esse disco especial”, relembra Bob Dylan, em entrevista coletiva publicada em 1978.

Também marcado pelo estilo desleixado que caracteriza a música de Bob Dylan, John Wesley Harding é introspectivo e questionador sobre o estilo de vida norte-americano. O entusiasmo com as raízes country levou o compositor a gravar outros dois discos na capital do estado de Tennessee: Nashville Skyline, que alcançou grande sucesso, e Self Portrait, considerado um dos piores álbuns de sua carreira por apenas cozinhar temas antigos e canções tradicionais dos Estados Unidos. No entanto, desse período, a história do bandido do Velho Oeste revelou-se uma das produções mais importantes de Dylan, com canções como "All Along The Watchtower" e "I Dreamed I Saw St. Augustine", cuja linha “I dreamed I saw St. Augustine alive as you or me” inspirou Joan Baez a escrever uma de suas principais músicas de protesto: "Joe Hill".

Um belo disco.

Ficha técnica:

John Wesley Harding – Bob Dylan
Lançamento original: dezembro, 1967
Duração: 38:58
Gravadora: Columbia Records

Músicas para download:

1. John Wesley Harding – 2:58
2. As I Went Out One Morning – 2:49
3. I Dreamed I Saw St. Augustine – 3:53
4. All Along The Watchtower – 2:31
5. The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest – 5:35
6. Drifter’s Escape – 2:52
7. Dear Landlord – 3:16
8. I Am a Lonesome Hobo – 3:19
9. I Pity the Poor Immigrant – 4:12
10. The Wicked Messenger – 2:02
11. Down Along the Cove – 2:23
12. I’ll Be Your Baby Tonight – 2:34

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