Post esquisito

Se Deus fosse baterista, invocar a santíssima trindade provavelmente seria algo assim: “Em nome de John Bonham, Ian Paice e Keith Moon, amém”. Pensa só, ninguém nunca fez nada parecido com o que eles criaram. Muito pelo contrário, seus estilos são como um evangelho que todo mundo adota cegamente. E o mais incrível é que eles viveram juntos e não deixaram nada para outras gerações, renegadas ao limbo de décadas infinitamente mais chatas do que a de 70.

É maluco como os três são tão parecidos em alguns aspectos – como potência sonora e irreverência –, mas tão singulares em outros. Cada um deles tem uma vantagem que falta ao outro. Somados, não só deixariam o planeta terra em êxtase – como fizeram, de alguma maneira –, mas seriam simplesmente incompreensíveis aos ouvidos de simples mortais como nós.

Ian Paice é o certinho. Postura perfeita, grip impecável, técnica evoluída (como a dos anciões do jazz) e canhoto, só para tornar tudo um pouco mais diabólico. John Bonham era o pedreiro: baquetas como martelos de Thor e precisão de um relógio, tudo isso aliado a uma criatividade emocionante. Keith Moon era o geninho. Segurando a baqueta pelas pontinhas, como se fosse derrubá-las, ele dispensava o chimbal, porque com ele não havia groove, mas um eterno solo com muitas pratadas, bumbos duplos e movimentos de cabeça.

Quem é o melhor? Não sei. Talvez essa não seja a grande questão. Mais fácil é responder quem é o seu favorito. Analisando friamente, o Ian Paice parece ter uma grande vantagem sobre os outros: ele conseguiu sobreviver. Passar pela época de culto às drogas e sair ileso talvez tenha até diminuído seus feitos perante a história, pois não há dúvidas que os dois concorrentes – mortos pelo exagero – sejam mais conhecidos e celebrados. No entanto, a capacidade que Ian Paice ainda tem de ensinar, dar workshops e assinar autógrafos de pequenos entusiastas do instrumento, com certeza supera o glamour de uma lenda.

Quando ele toca parece dizer: “Olha nós éramos bons porque fazíamos assim, não porque éramos chapados”. Se Keith Moon estivesse vivo como o colega, talvez tantos bateristas não estivessem plagiando sua pose, mas, sim, sua musicalidade. Com sua imagem de vovô da bateria, ele poderia falar: “Olha, nós éramos parte de uma época de excessos que já acabou. Agora vamos tentar reinventar aquilo que eu tocava, porém dessa vez sem os terninhos e a panca de desajustado”.

Hoje, nós criamos muitos virtuosos e imitões, mas onde estão os salvadores de nosso tempo? Enquanto Deus não manda nenhum outro representante até a Terra, eu fico com aquele que já está um pouco gasto, mas está aí.

Bom, é melhor terminar esse post antes que ele vá para algum lugar mais inesperado do que este em que chegou. Mas antes, uma homenagem ao Ian Paice: meu disco favorita do Deep Purple, aquele que tem as músicas mais famosas da banda, o Machine Head, de 1972.

Músicas para download

Machine Head - Deep Purple

1972

1. Higway Star
2. Maybe I'm a Leo
3. Pictures of home
4. Never Before
5. Smoke on the Water
6. Lazy
7. Space Trucking

para fechar, um solo do vovô...

Este disco ficou muito tempo na lista de “álbuns que preciso postar”. Entretanto, nunca acreditei ter competência para falar dele. Não conheço outros discos da banda, mas sei que este é um dos melhores. Eu não vou saber de cabeça o nome dos integrantes à época, só posso dizer que o Gary Moore ainda não estava lá – mas também sou contra textos enciclopédicos que despejam dados e tudo fica muito chato. No final, acabei por me convencer de que esta minha indicação é muito honesta. Tão honesta como aquele momento em que uma música te pega de jeito, e você nem sabe quem é que está tocando.

Ainda não estou totalmente convencido de que Jailbreak se trata, nos mínimos detalhes, de um álbum conceitual. Parece ser: a temática ronda uma certa fuga, uma batalha em uma suposta prisão, eu sei lá, vejam a capa. O que acontece depois é teoricamente a história desse fugitivo e sua turma. Eu não vou escrever muito não, nem precisa, mas queria utilizar o gancho do disco para comentar sobre timbres.

Na hora que você vai gravar, precisa de referências, dicas que te ajudam a obter aquele som que você acredita ser fantástico. Partindo desse princípio, é natural observar que cada estilo de música, cada gênero, tem seus timbres peculiares. Entretanto, nada pode superar o bom gosto. É subjetivo? Sim, talvez nem tanto. Pois muito bem, esse disco é uma das coisas mais bem gravadas dos anos 70 (talvez a década de melhores timbres naturais do todos os tempos,..., ou você gosta daquela bateria cheia de reverb que teimaram em inventar na década seguinte?). A bateria é linda, cheia e crua. As guitarras, que seguem o estilo twin-lead-guitars, ou seja, as duas solando juntas, tem um timbre maravilhoso de Les Paul ligada em amp Marshall. Phil Lynott era uma grande intérprete e um ótimo letrista. Enfim, artistas de fato.

É claro que em algum ponto, a galera simplesmente não sabe a hora de parar. Se você der uma olhada neste vídeo aqui, vai perceber, no mínimo duas coisas tristes:

1) sim, depois que Lynott morreu, a banda continuou, obviamente sem o carisma e talento do líder.

2) sim, eles ainda fazem shows, de maneira decadente. Em 2008, abrindo para o Def Leppard (argh!), agora, preste atenção no vídeo: onde é que estão as guitarras gêmeas? Não. Não estão lá.



E o mais engraçado, algo que li num cometário do vídeo no YouTube: é realmente, a impressão que dá é que em algum momento três quartos dessa banda esteve no Whitesnake, coisa que eu
não posso confirmar. Algum especialista em heavy metal ruim pode ajudar?

Músicas para download

Thin Lizzy, Jailbreak - 1976
produzido por John Alcock

• 

1. "Jailbreak" – 4:01
2. "Angel from the Coast"(Lynott, Brian Robertson) – 3:03
3. "Running Back" – 3:13
4. "Romeo and the Lonely Girl" – 3:55
5. "Warriors" (Lynott, Scott Gorham) – 4:09
6. "The Boys Are Back in Town" – 4:27
7. "Fight or Fall" – 3:45
8. "Cowboy Song" (Lynott, Brian Downey)– 5:16
9. "Emerald" (Gorham, Downey, Robertson, Lynott) – 4:03

A voz das montanhas

Pra quem gosta de música brasileira, acredito que dois livros são essenciais. Um deles é o Noites Tropicais do Nelson Motta, uma espécie de biografia/relato do próprio. Ele narra tudo o que viveu, viu e ouviu, desde quando moleque, encantado com o som de João Gilberto até momentos mais recentes, como suas parcerias com Lulu Santos e trabalhos com Marisa Monte. O cara realmente é uma espécie de testemunha ocular da música. Acontece que seu relato é, muito justamente, mais ligado à cena Rio/São Paulo. Ele não esteve em todos os cantos do país ao mesmo tempo, por isso é que, como um complemento, eu sempre costumo sugerir às pessoas outro livro fantástico, Os Sonhos Não Envelhecem – histórias do Clube da Esquina.

Esse, escrito pelo Márcio Borges (irmão do Lô Borges) é um outro relato no estilo testemunha ocular, que conta, entre outras coisas, como um grupo de moleques ligadassos em música e cinema se tornou uma fonte de criação musical autêntica, com um som muito próprio e que não bebia exatamente das mesmas fontes da galera da Bossa Nova ou da Tropicália. É outra coisa, um ar de montanha, de estrada de terra, de trem maria-fumaça e viagem com os amigos. E também vale a pena ler para montar na cabeça uma espécie de filme. Você consegue ver um molecote negro e magrelo nas escadas do prédio onde os Borges moravam, tocando violão puxando as cordas de uma maneira peculiar (pense na introdução de “Travessia” e no violão dos versos de “Alunar” deste disco) e com uma voz de reverb natural. É meio que de arrepiar.
Pois bem, isso tudo é para você criar uma base de comparação. Estou recomendando aqui um dos meus discos favoritos daquele que se tornou o artista mais famoso do clube, Milton Nascimento.

Este é o álbum Milton de 1970. Eu quase, mas quase mesmo, escolhi o seu disco de 72, entretanto três músicas em especial me fizeram dar preferência a esse. São elas “Alunar”, “Canto Latino” e “Clube da Esquina” (não confundir com a bem mais famosa “Clube da Esquina nº2”). Enfim, como se não bastasse, esse álbum também traz “Para Lennon e McCartney”, que é hit e tem uma guitarra sensacional. A única intrusa é “A Felicidade”, uma bossa de Tom Jobim e Vinícius de Moraes... só que uma intrusa dessas, na voz de Milton (que estava no auge) é sempre bem-vinda.


Uma das características mais interessantes desse disco (assim como de vários outros do Milton, ou do Lô Borges, por exemplo) é que poucas canções são de apenas um só compositor. Eles eram uma espécie de grupo de composição, e produziam muito. Por isso, várias gravadas são parcerias, e parcerias que deram muito certo, como por exemplo a dupla que o Milton formou com o Fernando Brant. Se você for atrás vai ver a quantidade assombrosa de canções lindas feitas pelos dois, como “Canção da América”. “Alunar” é uma canção dos irmãos Borges (Lô e Márcio), enquanto a linda “Clube da Esquina” era uma canção sem letra de Lô e Milton que impressionou tanto Márcio que ele logo começou a trabalhar uma letra. O resultado está aí, entre outras canções de atmosfera única.

Ficha Técnica

Milton Nascimento - Milton Lançado em 1970,

Clique aqui e encontre o Milton (1970) no Rapidshare.

1 Para Lennon E McCartney
2 Amigo, Amiga
3 Maria Tres Filhos
4 Clube Da Esquina
5 Canto Latino
6 Durango Kid
7 Pai Grande
8 Alunar
9 A Felicidade
10 Tema de Tostao
11 O Homem Da Sucursal
12 Aqui E O Pais Do Futebol
13 O Jogo

Aqui, um vídeo de 1997, Milton tocando só com o violão "Clube da Esquina". Comparem as versões...

Os arretados Allman Brothers

Li uma notícia interessante sobre brigas entre bandas, gravadoras e o tal do download publicada ontem no New York Times. A banda em questão, aliás, é uma das minhas favoritas.

Diz a pequena matéria que os remanescentes membros do Allman Brothers Band estão processando a gravadora UMG Recordings com base no argumento de “exploração digital”. Liderado por Gregg Allman, o grupo alega que suas músicas foram comercializadas, sem o pagamento devido dos royalties, por meio de CDs não autorizados, ring tones e iTunes. O valor da indenização seria de U$ 13 milhões. Amigo e economista de plantão do Ferrugem, Fernando Ferrari, pode transformar isso em reais por favor?

Não quero entrar no mérito da questão, mas faltou dizer que as “músicas comercializadas” indevidamente foram gravadas entre 1969 e 1980.

Em conversa com o colunista Juliano, tive a idéia de cutucar com a vara mais curta da história uma banda que admiro. Por isso, não me venham processar Allman Brothers, pois disponibilizo aqui o primeiro disco de vocês.

Lançado em 1969, The Allman Brothers Band não foi lá muito bem aceito pelo público, mas foi aclamado pela crítica. Conseguiu atrair atenção somente pelo fato de ter sido um dos pioneiros em resgatar o rock sulista dos Estados Unidos. Formado em uma cidadezinha chamada Macon, Geórgia, estado natal de Ray Charles e outros, o grupo dos irmãos Duane e Gregg Allman traziam em suas composições uma característica única: união entre poderosos riffs que representavam culturalmente a região e uma vertente moderna para criar improvisações.

No disco, dois clássicos que seriam marcas registradas em grandiosos shows realizados em Fillmore East entre os anos de 1970 e 1971. “Dreams” e “Whipping Post” tornaram-se duas das maiores músicas da banda e realmente são registros inquestionáveis da habilidade de Duane tocando slide guitar e de seu irmão Gregg, vocalista e tecladista exuberante. É importante lembrar que Duane morreu dois anos depois do lançamento desse álbum em um acidente de moto, tragédia que viria a repercutir negativamente no som da turma em trabalhos futuros.

Caso essa brincadeira de “bom gosto" ofenda você Gregg, por favor não peça U$ 13 milhões. Somos humildes estudantes de jornalismo.

Ficha Técnica

The Allman Brothers Band – The Allman Brothers Band
Lançamento original: novembro, 1969

Músicas para download

1- Don’t Want You No More (Spencer Davis / Eddie Hardin) – 2:29
2- It’s Not My Cross To Bear (Gregg Allman) – 4:48
3- Black Hearted Woman (Gregg Allman) – 5:20
4- Trouble No More (Muddy Waters) – 3:47
5- Every Hungry Woman (Gregg Allman) – 4:16
6- Dreams (Gregg Allman) – 7:19
7- Whipping Post (Gregg Allman) - 5:19

O video de “Whipping Post”, gravado em Fillmore East. A qualidade é tosca, eu sei, mas vale a pena.

Memória póstuma a Isaac Hayes

O cara tinha uma careca lisinha lisinha e uma voz grossa grossa. Morreu sabe-se lá de que, aos 65 anos, depois de acumular o apelido de músico mais “quente” do funk. Conquistou o povo negro ao fechar o Festival de Wattstax em 1972, resposta musical e política dos “irmãos” ao Woodstock e espécie de celebração dos conflitos ocorridos no subúrbio de Watts, próximo de Los Angeles, em 1965 – fato que culminou com a morte do ativista Martin Luther King.

Quase que política entra de fininho aqui no Ferrugem.


Como o papo aqui é música, meu humilde desejo é realizar uma memória póstuma a Isaac Hayes e comentar o que, para mim, é seu melhor disco: Hot Buttered Soul, de 1969. Pode gritar, espernear e chorar dizendo que a trilha sonora para o filme Shaft, de 1971 é melhor. Bom... gosto, como meu amigo Fel Mendes do Vermute gosta de dizer, é igual braço. Ou você tem ou você não tem.

Como o próprio nome diz, esse disco é amanteigado e quente. A voz sussurrada de Isaac Hayes é um atestado que romantismo precisa ser também sensual e que a soul music é mais que uma dose de três minutos de sentimentalismo. Arranjos incríveis, interpretação classuda e um som que viria influenciar uma geração inteira. Como fica claro pelo tempo de cada música, três acima dos 9 minutos, o músico e seu teclado tiveram total liberdade dentro dos estúdios da Stax, espécie de irmã pobre da Motown; ou melhor, espécie de irmã experimental.

Ficha Técnica


Hot Buttered Soul - Isaac Hayes
Lançamento original: julho, 1969

Músicas para download

1- Walk On By (Burt Bacharach / Hal David) - 12:03
2- Hyperbolicsyllabicsesquedalymistic (Isaac Hayes / Alvertis Isbell) - 9:38
3- One Woman (Charles Charmer / Sandra Rhodes) - 5:10
4- By The Time I Got To Phoenix (Jimmy Webb) - 18:42

Para aqueles que espernearam, a introdução de Shaft, em Wattstax. "The baaaad motherfucker".

rock galês

Primeiro, eu ia colocar uma bela coletânea do Bread. Aí comecei um texto, mas as férias me deram uma preguiça-bloqueio. Não ia pra frente. Depois, pensei em colocar um disco meio esquecido dos Beatles, estava com ele na mão, mas mudei de idéia. Como faz tempo que eu não escrevo nada aqui no blog, ou seja, estava de fato enferrujado, resolvi escolher algo relativamente raro, que talvez seja mais difícil de encontrar e realmente diferente. Olhei para uma pequena pilha de discos que tenho aqui na minha frente. O nome mais esquisito era esse: Gorky's Zygotic Mynci. Achei meu post.


Bom, o negócio é o seguinte: Essa era uma banda do País de Gales, e não é à toa que muitas das músicas, além do próprio nome do grupo, estão em galês (zygotic lembra aulas de biologia, mas parece que mynci quer dizer macaco... não ajuda né?). Lembro que descobri a banda assistindo o Lado B da MTV e, meio que perdido na programação, estava um clipe deles. Era da música “Spanish Dance Troupe”, que inclusive é uma das melhores do disco e tem um clipe meio cigano, meio espanhol e meio chapado. Parece realmente a trilha de uma viagem que você está fazendo com uma trupe de dança espanhola e vocês estão indo até a Romênia.



No mais, canções que conseguem juntar o pop melódico típico de bandas britânicas desde os Beatles com esquisitices galesas – pra não forçar a barra e dizer que “oh, eles fazem um som folk”, porque, como disse antes, esse termo já encheu o saco – e barulheiras divertidas de guitarras, que criam sons ambientes e psicodélicos. Na primeira faixa, fique atento à cigarra e deixe o disco rolando, a segunda faixa é fodida e a última, um mini-épico emocionante. O disco é realmente bom, e a voz de Euros Childs (sim, mais um nome esquisito) é de timbre peculiar e doce.

Ainda que seja somente para constar como a banda com nome mais zoado que você já ouviu, Spanish Dance Troupe é um dos melhores álbuns feitos na década de 90 na ilha da rainha e que conseguiu de maneira muito pessoal fugir da típica sonoridade presa entre a briga Oasis x Blur. É uma outra coisa. É som de caipira, véi. Preste atenção no sotaque.

Ficha Técnica



Gorky's Zygotic Mynci - Spanish Dance Troupe
Lançado em 1999

Músicas para download

1."Hallway"
2."Poodle Rockin'"
3."She Lives on a Mountain"
4."Drws" (James)
5."Over and Out" (E. Childs, James)
6."Don't You Worry" (M. Childs)
7."Faraway Eyes" (E. Childs, James)
8."Fool" (James)
9."Hair Like Monkey"
10."Spanish Dance Troupe"
11."Desolation Blues"
12."Murder Ballad"
13."Freckles"
14."Christmas Eve"
15."Humming Song"

A piada que ficou sem graça

Tive um acesso de boa vontade e resolvi ouvir o novo disco do CSS, a bandinha brasileira mais famosinha no exterior (desculpem-me pelos diminutivos, mas eu não consigo evitá-los). Quem já lê o ferrugem há algum tempo já deve ter sacado, pelo teor das postagens, que o nosso negócio não é postar o que está estourando no blog do Lucio Ribeiro (nada contra, eu mesmo visito o blog com certa assiduidade e separo o joio do trigo) e sim o que a gente acha que é bom, com muito (e merecido) espaço às velharias, mas resolvi abrir uma exceção.


Donkey, o tal disco do CSS, é, pelo que todos os críticos estão falando, polêmico porque é mais sério e traz mais guitarras (vejam só o sinal dos tempos, guitarra, hoje, é sinal de seriedade). Francamente, não consigo entender o que uma série de músicas enfadonhas, repetitivas e absolutamente insossas até para dançar – já que, aparentemente, este é um dos apelos da banda – podem ter de polêmicas. A verdade é que o CSS deve ter percebido que seria impossível fazer um álbum como o primeiro de sua carreira, que tem seu trunfo na novidade exótica, para a gringaiada dizer: “olha, tem uma japonesinha bochechuda dando pulinhos, e ela vem de um país tropical, do terceiro mundo, que, até onde eu sabia, só toca samba e bossa nova”.

O CSS não podia repetir a piada. De fato, não repetiu, mas contou uma muito sem graça. No fim das contas, o CSS esbarrou na própria inaptidão e, na tentativa de fazer um disco sério, fez um disco chato.

Donkey é um album repleto de lugares comuns do indie rock, como músicas começadas com riffs de baixo, tecladinhos, guitarras limpas tocando fraseados pegajosos e refrõezinhos com uma batida disco. Soma-se a essa falta de inovação o vocal de Lovefoxxx, que, de tão limitado, permite que ela cante, no máximo, umas três notas por música. Duas músicas destoam um pouco desse estilo, e por isso mesmo, são menos piores: "I Fly" e "Move". A primeira traz uma guitarrada honesta (mas que eu duvido que a moça do CSS consiga tocar) e a segunda é a melhor música do disco, porque traz um vocal um pouquinho mais melódico (mas fica claro, mesmo na gravação, que a Lovefoxx vai desafinar ao vivo ao cantar essa música) e porque me lembra muito uma música de que gosto do Men At Work (para um disco tão ruim, isso é um baita elogio).

Minha conclusão é: se você quer ouvir um bom indie rock dançante, vale muito mais a pena esperar o novo disco do Franz Ferdinand.

A única coisa boa de Donkey é a iniciativa da Trama, que distribui o disco aqui no Brasil, em disponibilizar o download gratuito no seu site oficial. Ou seja, quem quiser discordar de mim, pode entrar lá e baixar, mas eu, sinceramente, acho que o tempo de vocês pode ser gasto com piadas mais engraçadas.

Ficha Técnica















Donkey - CSS (Cansei de Ser Superestimado)

Lançamento oficial: 21 de julho de 2008

Músicas para download

1-"Jåger Yoga" — 3:49
2-"Rat Is Dead (Rage)" — 3:19
3-"Reggae All Night" — 3:54
4-"Give Up" — 3:21
5-"Left Behind" — 3:31
6-"Beautiful Song" — 3:28
7-"How I Became Paranoid" — 3:26
8-"Move" — 3:53
9-"I Fly" — 3:17
10-"Believe Achieve" — 3:36
11-"Air Painter" — 3:48

Desenterrando raridades: Bob Dylan

É sempre interessante quando gravadoras e artistas unem-se para desenterrar artefatos arqueológicos valiosos. Essa introdução sem pé nem cabeça serve apenas para dar a linha: Bob Dylan anunciou nesta terça-feira (29/07) que vai lançar o oitavo capítulo da série “Bootleg” (gravações não utilizadas e raridades de estúdio) em outubro. Tell Talle Signs reúne peças de museus que datam de seus últimos vinte anos, desde o disco cristão Oh Mercy ao fantástico Modern Times.

Leia a matéria do Estadão na íntegra.

Aproveitando o momento, deixo aqui uma coletânea de gravações informais de Bob Dylan acompanhado de sua banda favorita, The Band, com o título simplório de The Basement Tapes. As músicas, entre elas standards do country, composições do próprio Dylan e algumas surpreendentes canções escritas pelos integrantes da banda de apoio canadense, foram gravadas entre 1967 e 1975, em um estúdio no porão da casa de Dylan em Woodstock, New York. Vale a pena!

Aliás, estou devendo um disco do The Band aqui viu. Puta banda boa.

Ficha Técnica

The Basement Tapes – Bob Dylan and The Band
Lançamento original: junho, 1975

Músicas para download – Vol. 1 e Vol. 2

1. "Odds and Ends" (Dylan) (take 2, additional overdubs) – 1:46
2. "Orange Juice Blues (Blues for Breakfast)" (Manuel) (additional overdubs) – 3:37
3. "Million Dollar Bash" (Dylan) (take 2) – 2:31
4. "Yazoo Street Scandal" (Robertson) – 3:27
5. "Goin' to Acapulco" (Dylan) – 5:26
6. "Katie's Been Gone" (Manuel, Robertson) – 2:43
7. "Lo and Behold!" (Dylan) (take 2) – 2:45
8. "Bessie Smith" (Danko, Robertson) – 4:17
9. "Clothesline Saga" (Dylan) (take 1, additional overdubs) – 2:56
10. "Apple Suckling Tree" (Dylan) (take 2) – 2:48
11. "Please, Mrs. Henry" (Dylan) (take 2) – 2:31
12. "Tears of Rage" (Dylan, Manuel) (take 3) – 4:11

1. "Too Much of Nothing" (Dylan) (take 1) – 3:01
2. "Yea! Heavy and a Bottle of Bread" (Dylan) (take 2) – 2:13
3. "Ain't No More Cane" (Traditional) – 3:56
4. "Crash on the Levee (Down in the Flood)" (Dylan) (take 2) – 2:03
5. "Ruben Remus" (Manuel, Robertson) – 3:13
6. "Tiny Montgomery" (Dylan) – 2:45
7. "You Ain't Goin' Nowhere" (Dylan) (take 2, additional overdubs) – 2:42
8. "Don't Ya Tell Henry" (Dylan) – 3:12
9. "Nothing Was Delivered" (Dylan) (take 2) – 4:22
10. "Open the Door, Homer" (Dylan) (take 1) – 2:49
11. "Long Distance Operator" (Dylan) – 3:38
12. "This Wheel's on Fire" (Danko, Dylan) (additional overdubs) – 3:49

Direto do forno: The Black Keyes

Mais um direto do forno. Tudo bem, o disco Attack and Release da dupla The Black Keyes não é tão novo assim, saiu em abril deste ano. Mesmo assim bateu uma necessidade de colocá-lo aqui no Ferrugem, pois pouco li sobre o lançamento aqui no Brasil. A proposta de Dan Auerbach, vocais e guitarra, e Patrick Carney, bateria e percussão, é simples: um som mergulhado em influências do blues sulista dos Estados Unidos, com distorções pesadas de guitarras ao estilo Led Zeppelin. Tudo isso feito pelas próprias mãos, em um estúdio improvisado na garagem da casa onde moram em Akron, Ohio.

O resultado lo-tech pode cansar um pouco e o disco em si perde sua força criativa no miolo, mas fiquei bastante impressionado pela potência do som que esses dois arrancam de seus instrumentos.

Eis o que foi dito sobre os caras (a tradução, novamente, é livre):

“A produção de Brian ‘Danger Mouse’ Burton – que já havia trabalho em faixas do último disco de Ike Turner – transformou Attack and Release em um trabalho multicolorido: uma mistura psicodélica com raízes de R&B, Brit-invasion em seu estado mais bruto e blues.” Will Hermes, Rolling Stones

“Entre as duplas mais expressivas do rock, como The Kills e The White Stripes, os caras do Black Keyes são os menos afetados pelas mudanças na indústria. Por isso, não é de se estranhar que o som cru e com riffs pesados ilustra uma vida que parece mais com uma experiência de Jimi Hendrix.” James Barry, Amazon.co.uk

Ficha Técnica

Attack and Release - The Black Keyes

Lançamento original: abril, 2008

Músicas para download:

1- All You Ever Wanted (2:55)
2- I Got Mine (3:58)
3- Strange Times (3:09)
4- Psychotic Girl (4:10)
5- Lies (3:58)
6- Remember When (Side A) (3:21)
7- Remember When (Side B) 2:10
8- Same Old Thing (3:08)
9- So He Won't Break (4:13)
10- Oceans & Streams (4:13)
11- Things Ain't Like They Used To Be (4:54)

Opinião própria: "Psychotic Girl" e "I Got Mine" já valem o disco.
Ouça no My space.

O show perfeito do AC/DC

Talvez o álbum If You Want Blood You’ve Got It, gravado em 1978 em Glasgow, Escócia, seja o melhor registro ao vivo do AC/DC. A energia, o entusiasmo com cada nota e cada solo de Angus Young, a reação instintiva da platéia... Tudo tocado com uma força rara hoje em dia. Mais uma do fundo do baú: o primeiro disco ao vivo da banda australiana conhecida por seu peso e sua vibração (não gosto da expressão hard rock), e também o último registro ao vivo do vocalista Bon Scott, que morreria quase dois anos depois, logo após o lançamento do fantástico Highway to Hell, por causa de um acidente com bebidas e drogas.

Esse disco representa para mim a essência de um bom show de rock. Introdução incrível com a veloz “Riff Raff”, diversão com “The Jack” e um final digno da maior banda da época com “Let There Be Rock”.

Preciso abrir um espaço aqui para falar do guitarrista Angus Young, nascido em Glasgow, Escócia. O raio que cruza o nome AC/DC representa o que esse cara faz em cima do palco: os riffs poderosos, os solos pontiagudos e a movimentação louca pra lá e pra cá fazem dele o guitarrista mais elétrico que eu já vi. A formação musical adquirida dos grandes nomes do blues norte-americano, como Muddy Waters, deixam Angus à vontade para movimentar-se entre solos lentos e doloridos, enquanto que seu pulsante desejo de balançar a cabeça ao ritmo pesado e metálico produzido pelos companheiros de banda também o deixam à vontade para marretar sua personalizada Gibson SG sem piedade.

Ouçam.

Ficha técnica

If You Want Blood You've Got It - AC/DC

Lançamento original: outubro, 1978

Gravadora: Albert

Músicas para download - Vol. 1 e Vol. 2

1 - Riff Raff (5:10)

2 - Hell Ain't A Bad Place To Be (4:02)

3 - Bad Boy Boogie

4 - The Jack (5:43)

5 - Problem Child (4:32)

6 - Whole Lotta Rosie (3:50)

7 - Rock 'N' Roll Damnation (3:30)

8 - High Voltage (6:00)

9 - Let There Be More Rock (8:15)

10 - Rocker (3:00)

A guitarra do Blur

Nos anos 90, apenas uma banda chegou perto de roubar do Oasis o trono de rei do britpop, e ela se chamava Blur. Só não conseguiu porque o rock universitário irônico e inteligente da banda era complicado demais e o povão se derretia mesmo era pelos refrões hipnóticos de Noel Gallagher. Aos nerds de "Parklife", "Boys and Girls" e "Song2" restou o legado de bandas que receberam o rótulo de art-rock e capas com imagens estranhas e belas. O final da história todo mundo sabe, mas nem sempre é triste quando uma de suas bandas favoritas acaba - de vez em quando essa separação faz com que dois bons artistas solo apareçam. No caso do Blur foi bem isso e, depois que Damon Albarn e Graham Coxon deixaram de dividir discos e palco, ficou bem claro o que cada um fazia dentro da banda... ou deixou de fazer.

Albarn já estava com dois pés no experimentalismo pop. O primeiro álbum da banda de desenho animado Gorillaz consegue ser ousado e irrestível em sua mescla de trip-hop e qualquer outra coisa que não fosse o Blur. Entretanto, o último disco de sua sobrevivente banda, Think Tank é chato e pretensioso - gravar no Marrocos não ajudou em nada e, sim! como fez falta a guitarra criativa, às vezes caótica e ruidosa, às vezes bela e com timbre puro de Fender Telecaster de Graham Coxon, aquele cara com vozinha tímida que canta no clipe da caixinha de leite - esse você viu né?

Na mesma medida que Think Tank é chato, o disco Happiness in Magazines de Coxon é excelente, e com ele você consegue entender qual papel o guitarrista desempenhava na banda. Era ele que pegava as viagens experimentais e às vezes estranhas demais de Albarn e dava a elas a roupagem de rock com guitarra distorcida que o Blur pedia. Já indiquei aqui a faixa "Bittersweet Bundle of Misery", mas o disco todo é bom. Está aí.

P.S.: felizmente, Damon Albarn voltou a acertar com The Good, the Bad and the Queen, mas aí é outro assunto.

P.S.: É realmente um disco solo este do Graham Coxon. Ele tocou tudo, exceto arranjos de corda/sopro e algum orgão e piano.

Ficha Técnica



Graham Coxon - Happiness in Magazines
Lançado em Maio de 2004

Músicas para Download

1. "Spectacular" – 2:48
2. "No Good Time" – 3:21
3. "Girl Done Gone" – 3:57
4. "Bittersweet Bundle of Misery" – 4:53
5. "All Over Me" – 4:16
6. "Freakin' Out" – 3:42
7. "People of the Earth" – 3:04
8. "Hopeless Friend" – 3:22
9. "Are You Ready?" – 4:42
10. "Bottom Bunk" – 3:16
11. "Don't Be a Stranger" – 3:29
12. "Ribbons and Leaves" – 4:11

Aqui vai o clipe de "Bittersweet Bundle of Misery", que é muito legal, apesar de que contrariando o que eu disse, ele usa uma Fender Jaguar. Atenção para o principal ator, o cachorrinho salsicha!

Ele não precisa de pedal

Brian Setzer é um exemplo de técnica aliada ao bom gosto. Sim, ele toca muito, é um monstrinho que consegue desferir notas rapidamente. Ele poderia usar esse super poder a serviço do mal e gravar um disco de metal? Talvez, mas graças aos bons céus, ele é uma espécie de louco varrido que resolveu montar uma banda de rockabilly nos anos 80, contanto somente com sua guitarra, uma bateria mínima e um baixão de pau. E os Stray Cats deram muito certo, em uma época em que sintetizadores e sonoridades "modernas" estavam detonando.


Além disso, o cara não só é endorser da Gretsch (ou seja, garoto-propaganda de uma das marcas mais lindas e tradicionais de guitarra do mundo - de bateria também) como tem de fato um modelo com seu nome, a Nashville Brian Setzer Signature. Repare: no lugar de potenciômetros normais, dados de seis lados, além de sua assinatura. Uma guitarrinha dessas em lojas brasileiras sai por uns R$20.000, ou seja, "praticamente não compensa". Artigo de luxo mesmo - e ela é de fato uma jóia.



O disco de hoje é o excelente 13, de 2006, que traz uma pegada mais roqueira do que os trabalhos que Setzer gravou com a Brian Setzer Orchestra. O som é sensacional e o timbre do guitarrista, bem característico. Vale a pena conhecer o álbum, com especial atenção à faixa "Really Rockabilly", em que ele tira uma onda da galera que fica rotulando gêneros e subgêneros.

Ficha Técnica

Brian Setzer - 13

Músicas para download

1. "Drugs & Alcohol (Bullet Holes)" - 4:57
2. "Take A Chance On Love" - 4:01
3. "Broken Down Piece Of Junk" - 2:43
4. "We Are The Marauders" - 2:28
5. "Don't Say You Love Me" (Matt Rocker) - 3:19
6. "Really Rockabilly" - 3:09
7. "Rocket Cathedrals" (Robert Bryan) - 2:51
8. "Mini Bar Blues" - 2:03
9. "Bad Bad Girl (In A Bad Bad World)" - 4:29
10. "When Hepcat Gets The Blues" - 2:49
11. "Back Streets Of Tokyo" - 4:48
12. "Everbody's Up To Somethin'" - 2:47
13. "The Hennepin Avenue Bridge" - 3:09

Para finalizar, este vídeo (infelizmente em qualidade sofrível) em que Setzer começa a chamar grandes guitarristas no palco, ainda na época do Stray Cats. No final da história, além de David Gilmour, Van Halen (farofeiro!) e BB King, até a lenda viva Les Paul sobe para a canja. É até assustador, todos eles tocando o clássico de Carl Perkins "Blue Suede Shoes"

O legado do Wilco

Ano passado o Wilco lançou o disco Sky Blue Sky, que figurou em quase todas as listas de melhores do ano. Na minha lista, particularmente, o disco divide o primeiro lugar com o Era Vulgaris do Queens Of The Stone Age (disco que merece tópico, aliás). Verdade que trata-se de um disco fácil de achar por aí para o download, mas ontem eu estava matando a saudade, depois de uns quatro meses sem ouví-lo, e me senti um pouco obrigado a postá-lo aqui, para que, assim, eu possa conversar sobre essa obra prima com todos que eu conheço.


Verdade que eu sou um pouco exagerado, sempre falo que tal coisa é “a melhor que há”, sou um pouco vítima da minha empolgação. Mas, no caso do Sky Blue Sky, a coisa é séria. As canções são tão belas, tão bem gravadas, os solos de guitarras são tão bem construídos que dá até raiva. Parece que o Wilco ouviu todas as bandas com influências dos anos 70, percebeu todas as falhas e clichês e entregou o disco dizendo a todas: “ó, é assim que se faz”. Mas o que me deixou mais estarrecido é o fato de o disco não ser só um apanhado das principais influências da banda (claramente Neil Young e Bob Dylan), mas também mostrar uma personalidade forte, tanto nos arranjos quanto nas composições.



Quem ouve a talvez melhor música do disco, “Impossible Germany” (não tenho palavras para descrever a beleza dessa faixa), consegue perceber uma ternura que tanto Neil Young quanto Bob Dylan não têm. Obviamente não estou falando que o Wilco é melhor que esses dois cânones, só estou falando que ambos, normalmente, não se mostram tão delicados em suas músicas e letras quanto a banda americana. Repito, não estou dizendo que Dylan e Young não são sutis, ternos e delicado, pelo contrário. Mas o eu-lírico do Wilco, por se expor demais nas letras e nas músicas, acaba trazendo uma carga emotiva muito grande, mais passiva do que nas obras das duas principais referências da banda. Em suma, o Wilco, principalmente em Sky Blue Sky, mostra uma fragilidade sem pieguice (leia-se, uma fragilidade nem um pouco emo) muito patente.

Para exemplificar o que eu digo, cito uma parte da letra da música que dá o título ao disco, que consegue ser ao mesmo tempo acanhada e incisiva, frágil e cruel: “With a sky blue sky / This rotten time / Wouldn’t seem so bad to mee now / Oh, I didn’t die / I should be satisfied / I survived / That’s good enough for now”. Sem discutir se o trecho é autobiográfico ou não, fica claro quão explícitas as letras são, o eu-lírico se desnuda de uma forma absolutamente aberta. É um chute (o bom do Ferrugem é poder chutar à vontade), mas, ao meu ver, esse recurso estético corajoso tem muito a ver com os dias de hoje. As metáforas e os floreios já foram por demais explorados, por isso, é muito bem vinda uma letra que seja fácil de entender. É muito mais bem vinda uma metáfora que embeleze a imagem e não a turve. Nesse sentido, acho que o Wilco entendeu bastante a obra de John Lennon, no melhor estilo “I’m Lonely / Wanna die”.

Outro trecho, que discute o fazer artístico de forma muito bonita e (de novo) explícita aprece na música “What Light”: “If you feel like singing a song / And you want other people to sing along / Just sing what you feel / Don’t let anyone say it’s wrong”.

O instrumental do disco também carrega a mesma aparente fragilidade, com instrumentos limpos e bem tocados e sem muitas grandiloqüências. Mas, como acontece nas letras, cada nota emitida por cada instrumento é tão estudada, tocada com tanta perfeição e feeling (o tal feeling é um outro bom tema para um post no Ferrugem), que, em quase todas as músicas, eu consegui (falo em primeira pessoa porque isso já é muito pessoal) me emocionar. Os solos de guitarra são um capítulo à parte. O guitarrista solo, Nels Cline, mostra nesse disco que é um dos melhores guitarristas dos nossos tempos. Suas frases são dificílimas, com momentos de virtuose que lembram até o meu querido metal (parece até que o fim do solo de “Side With Seeds” foi feito para nenhum fã de Satriani encher o saco), mas nunca esquecendo os ensinamentos do papai Young: sentimento acima de tudo. O disco é ainda mais impressionante por ter sido gravado inteiramente ao vivo, o que mostra trata-se de uma banda afiadíssima e com certeza é excelente ao vivo.

Enfim, como sempre faço, me empolguei e acabei escrevendo demais. No fim das contas, o Wilco é talvez a banda que melhor carregou o legado de Bob Dylan, Neil Young e Beatles, por isso é tão foda.

Outro fato importante de ser lembrado é que o Wilco é uma banda com muitos anos de carreira e outros discos excepcionais, como o Yankee Hotel Foxtrot, que traz mais clara a influência dos Beatles na banda.

A faixa “Impossible Germany” pode ser ouvida na muxtape do João Victor, amigo do pessoal do Ferrugem e guitarrista do Bazar Pamplona.



Sky Blue Sky - Wilco
lançamento oringinal: 15 de maio de 2007















Músicas para download


1-"Either Way" – 3:05
2-"You Are My Face" (Tweedy, Cline) – 4:38
3-"Impossible Germany" (Tweedy, Wilco) – 5:57
4-"Sky Blue Sky" – 3:23
5-"Side with the Seeds" (Tweedy, Jorgensen) – 4:15
6-"Shake It Off" – 5:40
7-"Please Be Patient with Me" – 3:17
8-"Hate It Here" (Tweedy, Wilco) – 4:31
9-"Leave Me (Like You Found Me)" – 4:09
10-"Walken" (Tweedy, Wilco) – 4:26
11-"What Light" – 3:35
12-"On and On and On" (Tweedy, Wilco) – 4:00

Viajar para

Não me lembro quem exatamente perguntou por que o Ferrugem não coloca música brasileira para baixar. Olha, não que isso tenha sido uma decisão dos colunistas. Apenas foi assim. Para quebrar esse monopólio, pensei em colocar aqui um dos discos mais viajados de nosso incrível repertório nacional. Caí nas graças quando ouvi Carlos Erasmo, do ex-tremendão Erasmo Carlos.

Falar que esse álbum é produto somente da suave e fantasmagórica (obrigado André!) voz de Erasmo Carlos e de seus arranjos poéticos é pouco.

O cara contou com uma “tremenda” ajuda de vários colegas: os mutantes Sergio Dias, Liminha e Dinho tocam como músico de apoio, o doido Lanny Gordin (que já havia tocado com Gal Costa) e o maestro tropicalista Rogério Duprat também participam. A lista não acabou. A faixa de abertura, a melosa “De noite na cama” é do Caetano, o gingado de Jorge Ben aparece na psicodélica “Ninguém Chora Mais”, e a dupla Marcos Valle e Taiguara rouba a cena com a despretensiosa “26 anos de vida normal” e com “Dois animais na selva suja”.

Mas e aí, como o cara que era símbolo da “revolução ingênua”, queridinho das queridinhas da Jovem Guarda deixou isso tudo de lado? Em parte por que Erasmo Carlos havia acabado de trocar de gravadora e passou a ter mais liberdade para trabalhar seu lado mais introspectivo. Conseguiu assim unir estilos musicais nordestinos em suas canções e adotar as inovações do rock dos anos 70. Assim, acaba-se com o ie-ie-ie chato de outras épocas e passa a compor músicas profundas e sofisticadas.

A parceria com o rei Roberto Carlos também tomou rumo mais maduro. Rendeu até a mais celebrada música do disco: a ode “Maria Joana”, abusado samba-rock (ahhh odeio isso) com batuques caribenhos e letra bastante... Bom, não precisa nem falar. O momento bíblico, que não poderia faltar quando se fala de Roberto & Erasmo, fica por conta de “Sodoma e Gomorra”. Puta merda não? Tema bastante sugestivo, também.

Imaginem o clima durante as gravações: “Pô ali estão quase todos os Mutantes, o (guitarrista) Lanny Gordin, o Taiguara toca piano no disco e não está com o nome na ficha. Teve a Caribean Steel Band e foi muito legal gravar com tambores de lata. O estúdio ficava uma festa com esse pessoal todo.”

Essa entrevista eu achei no site Vagalume, sei lá...

No site oficial, Erasmo Carlos também fala um pouco do disco, vale a pena

Ah, curiosidade. Para quem gosta de listas: Carlos Erasmo foi votado, entre uma lista de 100, o 31º melhor álbum da música brasileira, atrás de coisas duvidosas, como Dois, do Legião Urbana, Nós vamos invadir sua praia, do Ultraje a Rigor... ixi, comprei briga?

PS - A música "Dois animais na selva suja da rua" está na muxtape do Juliano.

Carlos Erasmo – Erasmo Carlos
Lançamento original: julho, 1971

Músicas para download

1- De noite na cama
2- Masculino, feminino
3- É preciso dar um jeito, meu amigo
4- Dois animais na selva suja da rua
5- Gente aberta
6- Agora ninguém chora mais
7- Sodoma e Gomorra
8- Mundo deserto
9- Não te quero santa
10- Ciça, Cecília
11- Em busca das canções perdidas nº 2
12- 26 anos de vida normal
13- Maria Joana

Faixa 6

Às vezes a gente gosta de uma música sem saber que artista a compôs, sem prestar atenção na letra, sem até ouvir com cuidado. Ao escutar um disco, essa frivolidade se perde um pouco: é impossível não saber quem está cantando, a que estilo aquela banda pertence etc. Invariavelmente, você tem o encarte para consultar letras, ano de lançamento e outros dados. Se você baixou o disco da internet, no mínimo, a imagem da capa faz parte do pacote.

Enfim, certas músicas arrepiam a nossa espinha, mas a gente não sabe dizer o porquê. “Summer of 69”, de Bryan Adams, é uma delas. Nunca dei muita bola para a letra e por muito tempo fique sem saber exatamente de quem era, o que fez com que cada vez que eu a escutasse um sentido novo surgisse. Ela me lembra de fim, mudanças... Um monte de conceitos bem abstratos e bestas que só fazem sentido para mim. Qualquer crítico que falasse mal desse tema, por mais argumentos lógicos que utilizasse, estaria me falando um monte de asneiras.

Não me importa que a música faça parte de um álbum chamado Reckless, um dos mais bem sucedidos da carreira de Bryan Adams. Mesmo tendo sido lançada em 1985, essa música está fora do tempo para mim. Não como “Heaven” – que também faz parte do álbum –, mas tem uma sonoridade muito datada e brega (apesar de ser bem legalzinha). Todo o resto do disco é feito sob uma pretensão muito típica dos anos 80 de transformar todas as músicas em grandes hinos. Basta dizer que Tina Turner participa de “It’s only love”. Ela é uma das principais autoras dessas músicas empolgantes como “He’s simply the best” e “We don´t need another hero”.

Bom, tá aí outro sucesso. Acredito que mais pessoas tenham ouvido exaustivamente músicas desse disco, já que elas tocaram bastante nas rádios. "Summer of 69" já repetiu tanto que até perdeu um pouco o valor, mas com certeza ela ainda dá saudades em alguns melancólicos.


Ficha técnica

Bryan Adams - Reckless
Lançamento Original: 1985
Gravadora: A&M

Músicas para download

1. One Night Love Affair
2. She's Only Happy When She's Dancin
3. Run To You
4. Heaven
5. Somebody
6. Summer Of '69
7. Kids Wanna Rock
8. It's Only Love
9. Long Gone
10. Ain't Gonna Cry

O grande solo de Stephen Stills

...e a música rock retorna ao Ferrugem...

Brigas, discussões e um enorme embate de egos fizeram com que o supergrupo Crosby Stills Nash & Young se dissolvesse rapidamente. O sempre lembrado álbum Dejà Vu, de 1970 – o primeiro a abraçar o rabugento Neil Young – serviu na verdade como uma foto - vide a capa do álbum - de um momento sensacional dos quatro artistas, mas assim como a imagem das polaroids, o grupo foi passageiro. É claro que eles iriam voltar a gravar juntos, contudo, poucos acreditam que Dejà Vu não é o melhor trabalho do grupo como quarteto.

Em 1971, a turnê do disco, que deu origem ao sensacional ao vivo Four Way Street já havia sido tumultuada – e talvez isso só tenha feito com que o apetite de Stephen Stills para um trabalho solo fosse ainda maior. Não foi diferente, ainda que o álbum Manassas de 1972 seja na verdade o disco da banda de mesmo nome. Não faz diferença, e eu inclusive me atrevo a dizer que, se você quer realmente entender Stills, então é como se esse disco fosse simplesmente toda a musicalidade do guitarrista em um disco.

Lançado originalmente em um vinil duplo, as canções dos quatro lados do álbum são divididas em grupos temáticos – e eu só estou escrevendo isto por curiosidade, na hora de ouvir você pode muito bem esquecer isso: The Raven são canções mais chegadas as rock e aos ritmos latinos que Stills sempre gostou e inseriu em suas canções. The Wilderness é principalmente country e o animado bluegrass. Consider abre espaço para o folk e folk-rock e sim, nesta parte, muitas vezes existe a sensação de que a sua guitarra está de mãos dadas com a de Neil Young, o que é natural, já que foram parceiros em mais de uma banda. Quer mais uma coincidência curiosa? Ótimo. A última parte do disco é Rock & Roll is Here to Stay, com um rock mais cru e blues, gênero em que Stills sempre foi um prodígio. Muita atenção a “Treasure”, e a “Blue Man”, dedicada a Jimi Hendrix, Al “Blind Owl” Wilson e Duane Allman.

Momento trivia: Bill Wyman, baixista dos Stones, ajudou Stills a terminar “The Love Gangster”. Na verdade Wyman se empolgou tanto com o disco que teria saído dos Stones para se juntar ao Manassas. Ninguém o convidou, entretanto, a história provaria que os Stones ainda durariam algumas pequenas décadas – Wyman sairia da banda apenas em 1993! - e o grupo de Stills, ainda que com este trabalho sensacional, foi uma experiência efêmera que lançou mais um disco, sem o mesmo brilho ou inspiração.

Ficha Técnica

Stephen Stills – Manassas

lançado em 1972, pela Atlantic Records

Produtor: Stephen Stills, Chris Hillman e Dallas Taylor

Músicas para download

(cada suíte corresponde a um lado do LP, mas não se assuste, você baixa tudo de uma vez só, em um arquivo com ótima qualidade)

The Raven

1. "Song of Love" – 3:28

2. Medley – 3:34

   "Rock & Roll Crazies" (Stephen Stills/Dallas Taylor)
   "Cuban Bluegrass" (Stephen Stills/Joe Lala)

3. "Jet Set (Sigh)" – 4:25

4. "Anyway" – 3:21

5. "Both of Us (Bound to Lose)" (Stephen Stills/Chris Hillman) – 3:00

The Wilderness

1. "Fallen Eagle" – 2:03

2. "Jesus Gave Love Away for Free" – 2:59

3. "Colorado" – 2:50

4. "So Begins the Task" – 3:57

5. "Hide It So Deep" – 2:44

6. "Don't Look at My Shadow" – 2:30

Consider

1. "It Doesn't Matter" (Chris Hillman/Rick Roberts/Stephen Stills) – 2:30

2. "Johnny's Garden" – 2:45

3. "Bound to Fall" (Mike Brewer/Tom Mastin) – 1:53

4. "How Far" – 2:49

5. "Move Around" – 4:15

6. "The Love Gangster" (Stephen Stills/Bill Wyman) – 2:51

Rock & Roll is Here to Stay

1. "What to Do" – 4:44

2. "Right Now" – 2:58

3. "The Treasure (Take One)" – 8:03

4. "Blues Man" – 4:04