Chapei

Já achava o novo disco do Portishead, Third, um dos melhores do ano, senão o melhor. Mas o pirado novo clipe da maravilhosa música The Rip não precisa nem de um escrutínio mais dedicado. Já é, sem hesitar, o melhor do ano, aliás, o melhor clipe de uns dez anos pra cá.

Ouça alto:

Portishead - The Rip
Colocado por portishead

A piada que ficou sem graça

Tive um acesso de boa vontade e resolvi ouvir o novo disco do CSS, a bandinha brasileira mais famosinha no exterior (desculpem-me pelos diminutivos, mas eu não consigo evitá-los). Quem já lê o ferrugem há algum tempo já deve ter sacado, pelo teor das postagens, que o nosso negócio não é postar o que está estourando no blog do Lucio Ribeiro (nada contra, eu mesmo visito o blog com certa assiduidade e separo o joio do trigo) e sim o que a gente acha que é bom, com muito (e merecido) espaço às velharias, mas resolvi abrir uma exceção.


Donkey, o tal disco do CSS, é, pelo que todos os críticos estão falando, polêmico porque é mais sério e traz mais guitarras (vejam só o sinal dos tempos, guitarra, hoje, é sinal de seriedade). Francamente, não consigo entender o que uma série de músicas enfadonhas, repetitivas e absolutamente insossas até para dançar – já que, aparentemente, este é um dos apelos da banda – podem ter de polêmicas. A verdade é que o CSS deve ter percebido que seria impossível fazer um álbum como o primeiro de sua carreira, que tem seu trunfo na novidade exótica, para a gringaiada dizer: “olha, tem uma japonesinha bochechuda dando pulinhos, e ela vem de um país tropical, do terceiro mundo, que, até onde eu sabia, só toca samba e bossa nova”.

O CSS não podia repetir a piada. De fato, não repetiu, mas contou uma muito sem graça. No fim das contas, o CSS esbarrou na própria inaptidão e, na tentativa de fazer um disco sério, fez um disco chato.

Donkey é um album repleto de lugares comuns do indie rock, como músicas começadas com riffs de baixo, tecladinhos, guitarras limpas tocando fraseados pegajosos e refrõezinhos com uma batida disco. Soma-se a essa falta de inovação o vocal de Lovefoxxx, que, de tão limitado, permite que ela cante, no máximo, umas três notas por música. Duas músicas destoam um pouco desse estilo, e por isso mesmo, são menos piores: "I Fly" e "Move". A primeira traz uma guitarrada honesta (mas que eu duvido que a moça do CSS consiga tocar) e a segunda é a melhor música do disco, porque traz um vocal um pouquinho mais melódico (mas fica claro, mesmo na gravação, que a Lovefoxx vai desafinar ao vivo ao cantar essa música) e porque me lembra muito uma música de que gosto do Men At Work (para um disco tão ruim, isso é um baita elogio).

Minha conclusão é: se você quer ouvir um bom indie rock dançante, vale muito mais a pena esperar o novo disco do Franz Ferdinand.

A única coisa boa de Donkey é a iniciativa da Trama, que distribui o disco aqui no Brasil, em disponibilizar o download gratuito no seu site oficial. Ou seja, quem quiser discordar de mim, pode entrar lá e baixar, mas eu, sinceramente, acho que o tempo de vocês pode ser gasto com piadas mais engraçadas.

Ficha Técnica















Donkey - CSS (Cansei de Ser Superestimado)

Lançamento oficial: 21 de julho de 2008

Músicas para download

1-"Jåger Yoga" — 3:49
2-"Rat Is Dead (Rage)" — 3:19
3-"Reggae All Night" — 3:54
4-"Give Up" — 3:21
5-"Left Behind" — 3:31
6-"Beautiful Song" — 3:28
7-"How I Became Paranoid" — 3:26
8-"Move" — 3:53
9-"I Fly" — 3:17
10-"Believe Achieve" — 3:36
11-"Air Painter" — 3:48

O legado do Wilco

Ano passado o Wilco lançou o disco Sky Blue Sky, que figurou em quase todas as listas de melhores do ano. Na minha lista, particularmente, o disco divide o primeiro lugar com o Era Vulgaris do Queens Of The Stone Age (disco que merece tópico, aliás). Verdade que trata-se de um disco fácil de achar por aí para o download, mas ontem eu estava matando a saudade, depois de uns quatro meses sem ouví-lo, e me senti um pouco obrigado a postá-lo aqui, para que, assim, eu possa conversar sobre essa obra prima com todos que eu conheço.


Verdade que eu sou um pouco exagerado, sempre falo que tal coisa é “a melhor que há”, sou um pouco vítima da minha empolgação. Mas, no caso do Sky Blue Sky, a coisa é séria. As canções são tão belas, tão bem gravadas, os solos de guitarras são tão bem construídos que dá até raiva. Parece que o Wilco ouviu todas as bandas com influências dos anos 70, percebeu todas as falhas e clichês e entregou o disco dizendo a todas: “ó, é assim que se faz”. Mas o que me deixou mais estarrecido é o fato de o disco não ser só um apanhado das principais influências da banda (claramente Neil Young e Bob Dylan), mas também mostrar uma personalidade forte, tanto nos arranjos quanto nas composições.



Quem ouve a talvez melhor música do disco, “Impossible Germany” (não tenho palavras para descrever a beleza dessa faixa), consegue perceber uma ternura que tanto Neil Young quanto Bob Dylan não têm. Obviamente não estou falando que o Wilco é melhor que esses dois cânones, só estou falando que ambos, normalmente, não se mostram tão delicados em suas músicas e letras quanto a banda americana. Repito, não estou dizendo que Dylan e Young não são sutis, ternos e delicado, pelo contrário. Mas o eu-lírico do Wilco, por se expor demais nas letras e nas músicas, acaba trazendo uma carga emotiva muito grande, mais passiva do que nas obras das duas principais referências da banda. Em suma, o Wilco, principalmente em Sky Blue Sky, mostra uma fragilidade sem pieguice (leia-se, uma fragilidade nem um pouco emo) muito patente.

Para exemplificar o que eu digo, cito uma parte da letra da música que dá o título ao disco, que consegue ser ao mesmo tempo acanhada e incisiva, frágil e cruel: “With a sky blue sky / This rotten time / Wouldn’t seem so bad to mee now / Oh, I didn’t die / I should be satisfied / I survived / That’s good enough for now”. Sem discutir se o trecho é autobiográfico ou não, fica claro quão explícitas as letras são, o eu-lírico se desnuda de uma forma absolutamente aberta. É um chute (o bom do Ferrugem é poder chutar à vontade), mas, ao meu ver, esse recurso estético corajoso tem muito a ver com os dias de hoje. As metáforas e os floreios já foram por demais explorados, por isso, é muito bem vinda uma letra que seja fácil de entender. É muito mais bem vinda uma metáfora que embeleze a imagem e não a turve. Nesse sentido, acho que o Wilco entendeu bastante a obra de John Lennon, no melhor estilo “I’m Lonely / Wanna die”.

Outro trecho, que discute o fazer artístico de forma muito bonita e (de novo) explícita aprece na música “What Light”: “If you feel like singing a song / And you want other people to sing along / Just sing what you feel / Don’t let anyone say it’s wrong”.

O instrumental do disco também carrega a mesma aparente fragilidade, com instrumentos limpos e bem tocados e sem muitas grandiloqüências. Mas, como acontece nas letras, cada nota emitida por cada instrumento é tão estudada, tocada com tanta perfeição e feeling (o tal feeling é um outro bom tema para um post no Ferrugem), que, em quase todas as músicas, eu consegui (falo em primeira pessoa porque isso já é muito pessoal) me emocionar. Os solos de guitarra são um capítulo à parte. O guitarrista solo, Nels Cline, mostra nesse disco que é um dos melhores guitarristas dos nossos tempos. Suas frases são dificílimas, com momentos de virtuose que lembram até o meu querido metal (parece até que o fim do solo de “Side With Seeds” foi feito para nenhum fã de Satriani encher o saco), mas nunca esquecendo os ensinamentos do papai Young: sentimento acima de tudo. O disco é ainda mais impressionante por ter sido gravado inteiramente ao vivo, o que mostra trata-se de uma banda afiadíssima e com certeza é excelente ao vivo.

Enfim, como sempre faço, me empolguei e acabei escrevendo demais. No fim das contas, o Wilco é talvez a banda que melhor carregou o legado de Bob Dylan, Neil Young e Beatles, por isso é tão foda.

Outro fato importante de ser lembrado é que o Wilco é uma banda com muitos anos de carreira e outros discos excepcionais, como o Yankee Hotel Foxtrot, que traz mais clara a influência dos Beatles na banda.

A faixa “Impossible Germany” pode ser ouvida na muxtape do João Victor, amigo do pessoal do Ferrugem e guitarrista do Bazar Pamplona.



Sky Blue Sky - Wilco
lançamento oringinal: 15 de maio de 2007















Músicas para download


1-"Either Way" – 3:05
2-"You Are My Face" (Tweedy, Cline) – 4:38
3-"Impossible Germany" (Tweedy, Wilco) – 5:57
4-"Sky Blue Sky" – 3:23
5-"Side with the Seeds" (Tweedy, Jorgensen) – 4:15
6-"Shake It Off" – 5:40
7-"Please Be Patient with Me" – 3:17
8-"Hate It Here" (Tweedy, Wilco) – 4:31
9-"Leave Me (Like You Found Me)" – 4:09
10-"Walken" (Tweedy, Wilco) – 4:26
11-"What Light" – 3:35
12-"On and On and On" (Tweedy, Wilco) – 4:00

A geração espontânea do King Crimson

O King Crimson não é só um dos maiores pilares do rock progressivo como seu primeiro disco é o marco inicial do estilo musical, mas nem só de In The Course Of The Crimson King vive a banda inglesa. Esse era o único disco que eu conhecia, até que, há poucos dias, um amigo me emprestou Red, o sétimo álbum de estúdio da banda, gravado em 1974 sob uma atmosfera de intensas brigas e com uma formação que só não é totalmente diferente da original porque mantinha o genial guitarrista Robert Fripp. Obviamente fiquei receoso, até porque sempre tive um certo preconceito com bandas progressivas muito cabeçudas, apesar de sempre gostar de uma ou outra coisa (além de Pink Floyd, que eu nem acho que seja tão progressivo assim, mas isso é tema para um outro post). Como eu tenho em alta conta quem me indicou, resolvi dar uma chance.

Deparei-me com um baita discaço, nada datado, com uma pesquisa de timbres de guitarra, bateria e baixo muito original e com muito menos punhetagem progressiva do que eu havia imaginado encontrar. As músicas são longas (são apenas cinco) e têm várias partes, seguindo a cartilha das bandas do gênero, mas não priorizam a técnica pela técnica e sim a própria música e o resultado final de tudo.

Vou tentar descrever um pouco do que ouvi. As guitarras de Fripp trazem um timbre pesado e grave, com riffs poderosos e dissonantes. Ao mesmo tempo o baixo de de John Wetton está sempre distorcido e um pouco agudo, funcionando quase que como a guitarra base da banda. A bateria de Brufford é impecável, com um pé no jazz e outro no rock – mas sem muito virtuosismo – e traz até um flerte com alguns timbres eletrônicos. Há ainda, em algumas músicas, a participação de algumas cordas de orquestra e um saxofone que, diferentemente de 90% do uso desse instrumento no rock, não soa nem um pouco brega. O disco como um todo soa bastante cru, ousado e pungente. O resultado final é quase que um pouco opressivo e intimidador e, para justificar minha editoria no ferrugem, muito pesado. O único senão, talvez, seja a faixa tocada ao vivo "Providence", que destoa um pouco do resto do disco por mais parecer uma peça de música erudita dodecafônica do que propriamente um tema de rock. Mas, depois de algumas audições, eu passei a gostar muito dela.


Quando ouvi não pude deixar de relacionar o som de Red com o que hoje é conhecido como post rock, estilo de música com pouquíssimo (ou nenhum) vocal tocado com instrumentos de rock que traz elementos de jazz, punk, e música erudita contemporânea. As bandas mais conhecidas desse estilo, como Tortoise, Mogwai e, aqui no Brasil, Hurtmold são consideradas por muitos hoje o exemplo do que há de mais moderninho no rock. Mas, sério, o King Crimson fez isso, e melhor, muitos anos antes. Outras bandas que muito provavelmente ouviram o disco são as conhecidas como neo-progressivas, como The Mars Volta e Tool, que, assim como Red, não trazem a chatice parnasiana (para fazer um paralelo com a literatura) de bandas como Yes e Gentle Giant, mas usam e abusam de tempos complexos e arranjos alternativos que fogem da simplicidade.

O disco me impressionou tanto que eu até queria saber se alguém tem um exemplo de album parecido, porque pra mim ficou a impressão de que Red é uma espécie de acontecimento único, um discreto presságio do que aconteceria muitos anos depois. Tenho quase certeza que é ignorância minha, pois acho difícil que algo tão diferente e genial tenha aparecido assim do nada, como se fosse uma geração espontânea artística.

Depois, pesquisando para fazer esse post, vi que um dos adoradores do disco foi Kurt Cobain, que chegou a dizer que Red “é o melhor disco de todos os tempos”. Vi também que a revista Q classificou o album do King Crimson como um dos 50 mais pesados da história. Eu não chego a ser tão entusiasmado como o falecido guitarrista e vocalista do Nirvana nem acho que Red é tão pesado assim, mas é bom saber que eu não estou sozinho ao realmente achar que esse disco é um pouco extraterreno.

Por fim, uma curiosidade. Red nunca chegou a ser tocado ao vivo porque o King Crimson acabou dois meses depois do lançamento do disco e só voltaria à ativa em 1982, já com outra formação. Será que foi porque eles tinham a impressão de que não fariam nada melhor? Besteiras à parte o download está abaixo e vale muitíssimo a pena.

PS: a única foto que realmente é relativa ao período de Red que encontrei é a da própria capa do disco logo abaixo. As outras só coloquei para fazer uma graça. A foto que abre o post mostra a primeira formação da banda. A foto com a cara assustada é a capa do disco In The Court Of Crimson King.

Ficha técnica

Red - King Crimson
Lançamento original: novembro de 1974
Gravadora: Atlantic Records
Duração: 39:55
Produção: King Crimson



Músicas para download


1 - Red (Robert Fripp) - 6:16
2 - Fallen Angel (Fripp, Richard Palmer-James, John Wetton) - 6:03
3- One More Red Nightmare (Fripp, Wetton) - 7:10
4 - Providence (Brufford, Cross, Fripp, Wetton) - 8:10
5 - Starless (Brufford, Cross, Fripp, Palmer-James, Wetton) - 12:16

Cavalera Conspiracy: peso fraternal

Nenhuma banda brasileira fez tanto sucesso internacional quanto o Sepultura. Álbuns como os excelentes Arise, Chaos A.D. e Roots elevaram a fama de Max e Iggor (à época com apenas um “g” no nome) Cavalera, Andreas Kisser e Paulo Jr. a ponto de estarem a pé de igualdade com bandas como Pantera, Slayer, Megadeth entre outros montros sagrados do metal. A decadência da banda - que ainda prometia muito - começou com a inesperada saída do guitarrista e vocalista Max Cavalera, em dezembro de 1996.


Os motivos da briga e como o Sepultura seguiu depois da saída de seu principal compositor não interessam neste post, pois é flagrante que a banda perdeu importância (e, na minha opinião, qualidade) e Max, com sua nova banda, Soulfly (que é mal rotulada como new metal), até alcançou algum sucesso comercial, mas acabou se distanciando do mercado brasileiro e também perdeu qualidade.

Depois disso, nunca mais o Brasil conseguiria lançar uma banda de tanta relevância internacional. E nem vem que não tem, que o sucessinho do CSS e do Bonde do Role é incomparável ao que foi o Sepultura. Muitos alegam (e eu entre eles) que isso aconteceu quando os irmãos Cavalera se separaram. Iggor é um monstro na bateria, que pode ser comparado com os grandes nomes do metal no instrumento, como Dave Lombardo e Vinnie Paul Abbot, mas não segurou a banda sem a pujança e a, com o perdão da expressão, tosquice de seu irmão Max. Já os outros membros, também não tinham o mesmo apelo: Andreas é muito técnico, mas não compunha tão malévolamente bem para o metal, Paulo Jr. só tem tosquice e Derrick Green, que entrou para substituir Max nos berros guturais, simplesmente nunca foi tão bom quanto seu antecessor.

Enfim, por isso que quando eu soube que Max e Iggor voltariam a tocar juntos era sinal de alguma coisa muito interessante acontecendo. Assim que descobri que os irmão voltariam a tocar sob o nome de Cavalera Conspiracy, procurei o myspace desesperadamente. A página existia, mas estava sem músicas. Motivo: eles estavam em estúdio. Poucos meses depois já estavam disponíveis a música que dá o nome ao primeiro disco, “Inflikted”, e o single “Sanctuary”. Pirei.

O som me lembrou o Sepultura, mas com algumas mudanças, é tão pesado quanto, mas mais claro, nítido. Um tapa na orelha sem dó nem piedade. A bateria do Iggor Cavalera soa quase hardcore, mas com a técnica do metal e muita dinâmica, que dá grandes contrastes às músicas. As guitarras soam como toda boa guitarra de metal deve soar: percussivas, com riffs marcantes e dissonantes e, principalmente, com muita distorção. Verdade que os solos de Marc Rizzo, que também é do Soulfly, não são tão legais quanto o do Andréas Kisser, principalmente porque destoam do peso do Cavalera Conspiracy por serem muito, hum, técnicos e utilizarem escalas até um pouco exóticas, orientais. Deveria ser tudo porrada, o Kerry King do Slayer deveria estar destilando um de seus não-solos sem escalas e cheios de notas. Mas nem tudo é perfeito. E como em toda boa banda de trash metal, o baixo de Joe Duplantier é inaudível e as letras são uma merda. Mas isso é muito metal e não incomoda aos mais acostumados ao estilo, que, em vez de repetir "amor" a qualquer verso, repete "morte", "doença", "sangue" e outras palavras menos singelas.

Comprei hoje o disco e viciei. Inflikted não perde o foco nunca, é um soco no estômago do começo ao fim, é o disco perfeito para esse retorno fraternal, nenhum fã de Sepultura dos bons tempos pode colocar defeito.

Abaixo está o assustador clipe do primeiro single, "Sanctuary". Ao meu ver é um dos melhores clipes de 2008, já que uma criatura deformada matando a galera no set de filmagem do próprio clipe tem tudo a ver com o som da banda hehe. Mais abaixo, o indispensável disco para download (olha que esse download vem do disco original com qualidade máxima para um mp3). Ouçam alto!

Ficha técnica

Inflikted - Cavalera Conspiracy
Lançamento original: 24 de março de 2008
Duração: 43:31
Produtor: Max Cavalera
Gravadora: Roadrunner Records


Músicas para download

1. "Inflikted" - 4:32
2. "Sanctuary" - 3:23
3. "Terrorize" - 3:37
4. "Black Ark" - 4:54
5. "Ultra-Violent" - 3:47
6. "Hex" - 2:37
7. "The Doom of All Fires" - 2:12
8. "Bloodbrawl" - 5:41
9. "Nevertrust" - 2:23
10. "Hearts of Darkness" - 4:29
11. "Must Kill" - 5:56

Nine Inch Nails: o peso nunca dorme

Seguinte, primeiramente gostaria de me desculpar com meus colegas de Ferrugem Nunca Dorme pelo meu breve sumiço. Não tentarei me justificar, parei de colaborar por pura preguiça. Mas estou de volta, e para postar coisas muito diferentes do que vem sendo postado (tudo excelente, por sinal).

A verdade é que estava faltando um pouco de peso aqui no Ferrugem e não podemos ignorar que, depois do Black Sabbath, o som pesado passou a ser uma característica patente de, senão a maioria, boa parte das bandas de rock. Tomei para mim a responsabilidade de mostrar aos passantes deste querido blog o melhor do som distorcido, sem nenhum tipo de preconceitos e evitando rótulos bestas (doom metal, new metal, trash metal e por aí vai). Porque o que é bom é bom (momento sabedoria vazia).

Vou começar com um disco de 2005 que não é considerado um dos pontos altos do seu autor (ou banda?) e, por isso mesmo, é bastante subestimado. Vamos dar nome aos bois. Você, meu caro amigo, esta prestes a entrar no mundo de With Teeth, do Nine Inch Nails.

O Nine Inch Nails, banda de um homem só (o grande Trent Reznor) é a típica banda que muita gente já ouviu falar, mas pouca gente ouviu propriamente. Eu, por exemplo, conheci o(s) cara(s) ao vivo, no Claro Q É Rock, e saí absolutamente embasbacado com a performance, tanto musical quanto visual. Foi, de longe, o melhor som de show que eu já tinha ouvido. Depois eu soube que o Reznor é super caxias com a qualidade do show dele e leva o próprio equipamento de som e luz em todas as turnês que faz. Estava explicado.

A turnê que vi promovia o With Teeth, talvez o disco mais acessível entre todos do NIN, com músicas bastante melodiosas e intensas e nem sempre com a guitarra super distorcida que caracterizou o seu trabalho mais aclamado, The Donward Spiral, de 1994. Por esse motivo, muitos fãs xiitas (sempre eles) acharam que Reznor tinha acalmado, deixado o peso de lado. Certamente essa foi uma leitura muito superficial do som do disco, já que as letras são absolutamente atormentadas e as músicas mais calmas carregam o mesmo peso de sempre, só que, dessa vez, na atmosfera. Um outro dado do disco que merece ser lembrado é que todas as baterias acústicas foram gravadas pelo grande e onipresente Dave Grohl, que é chapa de Reznor desde os anos 90.

Falando mais propriamente do som, o NIN mistura o rock e metal com batidas eletrônicas (desculpa, Daniel, mas é som de computador mesmo) o que deixa a música com um certo clima apocalíptico. Tipo (momento nerd on), se você já jogou RPG e ouviu falar no universo cyberpunk, o NIN é a trilha perfeita para aquele clima (momento nerd off). Se você nunca jogou RPG, imagine o filme Blade Runner. O NIN é mais ou menos o que tocaria uma casa noturna daquela Los Angeles destruída, servindo de fundo para um strip tease de uma menina de cabelo roxo. O melhor é ouvir, de qualquer maneira.

Para vocês terem noção do que é o NIN ao vivo, deixo abaixo o vídeo da banda tocando uma das melhores músicas do With Teeth, a homônima "With Teeth". Reparem na qualidade do som da bateria, que tem uma linha simples mas muito criativa e marcante. Vejam também como é importante e maravilhosa a iluminação do show, que quase não mostra a cara dos músicos, mas é totalmente sincronizada com a música. Outro destaque dessa música é o momento calmo do piano em contraste com o refrão, barulhento até dizer chega. Mais abaixo ainda deixo o disco para download, que é o que interessa.

PS: se você faz muita questão de rótulos, o NIN é conhecido como Industrial Rock ou Industrial Metal.

Ficha Técnica

With Teeth - Nine Inch Nails

Lançamento original: 27 de abril de2005

Duração: 56:05

Produtor: Trent Reznor e Alan Moulder

Gravadora: Interscope/Halo 19

Músicas para download

1. "All the Love in the World" – 5:15
2. "You Know What You Are?" – 3:42
3. "The Collector" – 3:08
4. "The Hand That Feeds" – 3:32
5. "Love Is Not Enough" – 3:41
6. "Every Day Is Exactly the Same" – 4:55
7. "With Teeth" – 5:38
8. "Only" – 4:23
9. "Getting Smaller" – 3:35
10. "Sunspots" – 4:03
11. "The Line Begins to Blur" – 3:44
12. "Beside You in Time" – 5:25
13. "Right Where It Belongs" – 5:05

PS2: pra ninguém falar que o Ferrugem só vive do passado, aconselho a vocês darem uma assistida no excelente clipe da mais nova música do NIN, "Discipline". A música é bem dançante, mas na minha opinião não está entre as melhores coisas deles. O Trent Reznor está ultimamente postando todas as músicas que compõe nesse endereço aqui e, além disso, quem diria, ele bloga haha.

Stevie Ray Vaughan e a virtuose a serviço do bem

É fato. Eu nunca vi um guitarrista tocar tão bem tecnicamente quanto Stevie Ray Vaughan. Olha que eu sou o tipo do cara que não liga tanto pra técnica, que acha o solo de Cortez The Killer, de Neil Young, um dos mais belos da história e tal. Mas o Stevie Ray é impressionante, o virtuosismo dele transborda tanto que dá até raiva, e o pior, não faltava feeling ao texano. Alguns malas de plantão poderão dizer que Satriani é melhor, que o Steve Vai tem mais técnica, mas eu digo não. Nenhum Satriani ou Stevie Vai consegue tocar uma Fender Stratocaster com corda 0.13 (para quem não conhece, esse número indica a espessura da corda de uma guitarra, e 0.13 é muito muito muito grosso) e timbre limpo como Stevie Ray Vaughan fazia.

Influenciado por nomes como Jimi Hendrix, Albert King e Buddy Guy (belas referências em se tratando do mundo da guitarra, diga-se de passagem), a carreira de Stevie Ray Vaughan foi meteórica. No início dos anos 80, ele tocava em pequenos bares de Austin com sua banda que sempre o acompanhou, a Double Trouble, um power trio formado pelo próprio Stevie, Chris Layton na bateria e Tommy Shannon no baixo. A banda começou a fazer relativo sucesso, principalmente pelo fascínio que gerava o virtuosismo de Stevie, até que ninguém mais ninguém menos que David Bowie descobriu o rapaz e convidou-o para gravar todas as guitarras de seu álbum Let’s Dance. A partir daí, Stevie ficou conhecido internacionalmente e o Double Trouble gravou uma série de discos que elevou o prestígio de Stevie Ray ao patamar de Guitar Hero. Ou seja, os pivetes guitarristas elegeram o guitarrista texano como referênciae ele se juntou a um panteão de respeito, com nomes como Hendrix, Clapton, Blackmore e Jimmy Page. Ah, pelo jeito, ele foi influência para sambistas também!

Se hoje em dia ele é um guitarrista menos admirado e conhecido dos que os citados aí em cima, muito deve-se a sua morte prematura. A carreira de Stevie Ray foi interrompida tragicamente por um acidente de helicóptero em 1990. Muitos consideram esse acidente uma das maiores perdas do rock Eu estou entre esses muitos. Principalmente pelo potencial do guitarrista, que, tendo por base sua técnica, feeling e pegada, era quase infinito.

É difícil descrever o quanto Stevie Ray Vaughan tem intimidade com a guitarra, o jeito é ouvir. Por isso coloco aqui a versão que ele fez para “Little Wing”, de Jimi Hendrix, que é, na minha opinião, o melhor take único de um guitarrista em toda a história do rock’n’roll (a música foi gravada ao vivo, de primeira, e em um take). A Fender usou essa música para fazer um emocionante (e enorme) vídeo promocional homenageando a guitarra e o próprio Stevie Ray. O legal é que o vídeo é da Fender, mas mostra alguns guitarristas tocando com Gibson:



Ponho aqui para downoad o disco póstumo The Sky Is Crying, que tem essa bela Little Wing entre outras pérolas guitarristicas, com muito blues e "roquenrou" de primeira.


Ficha Técnica

Músicas para download

1. Boot Hill
2. The Sky Is Crying
3. Empty Arms
4. Little Wing
5. Wham
6. May I Have A Talk With You
7. Close To You
8. Chitlins Con Carne
9. So Excited
10. Life By The Drop

Considerações acerca do show de Bob Dylan no Brasil

Ontem, dia 5 de março de 2008, eu assisti a um show do Bob Dylan. Vi um verdadeiro cânone do rock e do folk em ação, e, contrariando a opinião da maioria, achei-o em grande forma. Se vocês, antes de lerem o meu post, derem uma passada de olho na matéria do G1, por exemplo, podem chegar a pensar que eu não vi o mesmo show que o autor do texto. Eu não vi mesmo, e aí é que está toda a diferença.

O que boa parte da platéia presente no Via Funchal ontem não entendeu é que estava vendo um Bob Dylan ainda criativo, com uma produção de alto nível, não um compositor acomodado. De fato, seria mais fácil ao Dylan, já velhinho, viver dos seus grandes sucessos do passado, descansando as costas em qualquer mansão. Mas ele é, antes de tudo, um artista, e um artista sincero não pode se acomodar nunca. Por isso que ele continua gravando discos primorosos, como o seu último Modern Times (2006), e é também por esse motivo que ele dedicou mais de um terço do show de ontem a este mesmo disco. Eu, sinceramente, considero o fato de ele ter tocado clássicos como “Like a Rolling Stone”, “All Along The Watchtower” e “Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again” uma espécie de favor concedido ao público, quase um gesto de simpatia. Algo como “eu sei que a maioria de vocês está aqui para ouvir essas músicas, então vamos a elas”. Bob Dylan está tão acima do bem e do mal que ele poderia tranqüilamente ter apenas tocado as músicas novas e não precisava ter trocado uma palavra sequer com o público. Mas, não, ele tocou clássicos e até disse, no final, “thank you, friends” (eu prefiro, de longe, um “thank you, friends” sincero a um poser abraçando a bandeira do Brasil). E há ainda quem reclame...

É patente um outro motivo para boa parte do público não ter achado a apresentação de Dylan absolutamente primorosa, como eu e minha caríssima amiga Luísa Pécora achamos. A voz rouca, grave e rasgada do Dylan de hoje é muito diferente da dos anos 60 e 70. Ele não consegue mais cantar notas longas (como o “meaaaaaaaaal”, de "Like a Roling Stone") e muda o tempo de quase todas as melodias, de uma maneira que fica quase impossível acompanhá-lo cantarolando. Em suma, ele não quer e nem pode mais cantar como antigamente. As únicas músicas fiéis ao registro do disco foram as do último álbum, obviamente. Isso só ratifica o fato de que o show de ontem foi da fase Modern Times do Dylan, não de qualquer outra.

No fim das contas, para aproveitar o show ao máximo era necessário chegar ao Via Funchal com quatro premissas na cabeça. Primeira: “esse show é dedicado, principalmente, ao último disco, que é muito bom”. Segunda: “a voz de Bob Dylan está absolutamente diferente, mas fica ótima nas músicas mais recentes”. Terceira: “Bob Dylan não é um showman poser e não fará das tripas coração para agradar a platéia” Quarta: “eu sou fanático por Bob Dylan, porra”. Se uma parte um pouco maior do público viesse com isso na cabeça, a catarse coletiva, certamente, seria maior. Mas isso seria querer demais. Bob Dylan sempre teve uma relação complicada com a platéia. Ele sempre esteve um passo a frente do público e, por isso, tem uma coleção de apresentações vaiadas no seu currículo.

Agora, passo a descrever o show que eu e Luísa Pécora vimos, ou seja, o show de quem, modéstia à parte, tinha essas premissas na cabeça.

O show começou com o rockão de Blonde On Blonde (1966) “Leopard-Skin Pill-Box Hat”, com Dylan tocando guitarra (três músicas depois, ele passou ao teclado e por lá ficou até o fim do show) e ficou claro que tanto ele quanto a banda (ótima, diga-se de passagem) ainda estavam um pouco desconfortáveis. Depois, veio outro clássico, “It Ain’t Me, Babe”, do disco Another Side Of Bob Dylan (1964) e a banda e Dylan começavam a mostrar que vieram, numa performance coesa. O som da casa estava bem melhor do que a tragédia que costuma ser a acústica em São Paulo. O microfone de Dylan estava altíssimo (até para que sua voz rouca aparecesse), mas era possível ouvir todos os outros instrumentos com clareza.

Depois, vieram mais dois clássicos “I’ll Be Your Baby Tonight”, de John Wesley Harding (1967) e “Masters of Wars”, de The Freewheelin’ Bob Dylan (1963), quando Dylan assumiu o teclado. Os arranjos das duas foram absolutamente diferentes dos registros dos discos e mais adequados à banda grande e plugada. Foi na quinta música, no entanto, “The Leeves Gonna Break”, um rock de seu último disco, que a apresentação, até então correta, começou a ficar magistral. A fidelidade ao disco finalmente apareceu e Dylan se mostrou absolutamente confortável cantando uma música feita para a sua voz atual. Estávamos, naquele momento, vendo e ouvindo o que Bob Dylan tinha de fato nos reservado. A platéia, no movimento contrário, foi um pouco menos calorosa nos aplausos das músicas novas, mas isso não intimidou Dylan, que continuou tocando músicas feitas da década de 90 para cá. Dali até o fim da primeira parte do show (antes do bis) foram só mais três clássicos: “Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again”, de Blonde on Blonde e “Highway 61 Revisited” e “Like a Rolling Stone”, de Highway 61 Revisited (1965). Dentre as músicas recentes destaco duas - ambas do último disco -, minhas favoritas de todo o show: a calma, plácida e melodiosa (sim, a voz rasgada de Dylan pode ser melodiosa) "Spirit On The Water" e a melhor de todas, "Workingman Blues #2".

“Like a Rolling Stone” fechou a primeira parte do show e causou o maior furor na platéia, durante sua execução houve até uma invasão ao palco absolutamente desnecessária. Foi sensacional ver todo mundo finalmente extasiado, mas já dava para perceber que Dylan só estava deixando a platéia um pouco mais feliz.

Para o bis ficou guardada a surpresa final. Depois de “Thunder On The Mountain”, um rockão que abre seu último disco, Dylan tocou no teclado os três acordes inconfundíveis da maravilhosa e rara na atual turnê “All Along The Watchtower”, de John Wesley Harding (1967). A versão para banda apresentada ontem até me lembrou um pouco a de Jimi Hendrix. A execução foi irretocável e emocionante.

Alguns reclamaram da ausência de "Blowin In The Wind", eu não me incomodei. Primeiramente porque Bob Dylan contradisse a Folha de S. Paulo, que, no mesmo dia, deu uma matéria com o título infame de “A Chance de Dylan tocar Blowin In The Wind é de 87%" ou qualquer coisa assim. Não sei se Dylan sabia da notícia, mas ele, propositadamente ou não, mostrou que é imprevisível e que é absolutamente livre para fazer o que quiser no palco. Depois, Bob Dylan é muito maior que "Blowin In The Wind" e ele tem tantos outros sucessos, até melhores, que a música não fez a menor falta.

Para quem não ouviu, abaixo está o link para o Download de Modern Times, o disco mais bem representado da noite.

Ficha Técnica

Modern Times – Bob Dylan
Lançamento original: agosto, 2006
Gravadora: Columbia

Músicas para download

1. Tunder On The Mountain
2. Spirit On The Water
3. Rollin’ And Tumblin’
4. When The Deal Goes Down
5. Someday Baby
6. Workingman’s Blues #2
7. Beyond The Horizon
8. Nettie Moore
9. The Levee’s Gonna Break
10. Ain’t Talkin’

PS: Daniel, Dylan se saiu muito bem ao teclado, ele tocou bem, de pé e se divertiu bastante. Na guitarra ele estava bem mais desconfortável.

PS2: Desculpem-me, meus caros amigos do Ferrugem.., pelo tom de confissão deste post, mas ele foi necessário.

Um belo acervo enferrujado

Mesmo que você não queira, fatalmente acaba recebendo um mar de newsletters no seu e-mail. O que a grande maioria das pessoas faz ao se deparar com esse tipo de informativo é ignorá-lo, apagá-lo, enfim, fazer o que for, menos lê-lo. Só existe uma newsletter, no entanto, que eu garanto que valha a pena, a do Wolfgang’s Vault (concerts.wolfgangsvault.com).

Explico. O Wolfgang’s Vault é um site que tem um acervo invejável de bootlegs (shows gravados de maneira amadora e não comercializados oficialmente) e, uma vez que você se cadastra lá – gratuitamente, é sempre bom lembrar –, passa a receber as novidades do acervo do site.

Exemplifico. O assunto da última news que recebi do site foi o seguinte: This Week in Wolfgang's Vault - Jimi Hendrix, Aretha Franklin, Van Morrison. Ou seja, você recebe semanalmente shows clássicos e raros de artistas incontestáveis sem pagar um centavo sequer. Como se não bastasse, no link do e-mail vem um texto introdutório para cada show contando o contexto de cada apresentação e comentando as músicas que são tocadas. Uma coisa bem legal nesses textos é o fato de eles não pouparem o artista e comentarem também sobre as imperfeições das apresentações.

Os únicos defeitos dessa beleza de site são a impossibilidade de baixar os shows, que são tocados em streaming (mas aí também é querer demais), e o fato do acervo se ater às décadas de 60, 70 e 80, o que, por outro lado, pode ser uma vantagem. De resto, fica difícil criticar um lugar que oferece gratuitamente shows de artistas do calibre de Rolling Stones, Led Zeppelin, Pink Floyd, Stevie Wonder, David Bowie, Neil Young entre tantos outros.

Tenho três dicas de shows para quem quiser entrar no maravilhoso mundo do “This Week In Wolfgang’s Vault...”. Procure no site as apresentações do Pink Floyd, de 1977, na qual a banda se apresenta sem nenhum músico de apoio e tem performance magistral na turnê do disco Animals, do Steve Ray Vaughan, de 1983, quando este deus da guitarra ainda não era tão famoso e, finalmente, do Stevie Wonder, em 1973, quando ele estava em seu auge, na fase de transição do Talking Book para o Innervisions.

Só para deixar bem claro, você pode ouvir os shows que quiser quando quiser. As newsletters só mostram o que há de novo no acervo.

Para quem ficou curioso, uma degustação da bela voz de Aretha Franklin, com a música "River's Invitation", do disco Soul 69.

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